Musique

La musique est une forme d'art consistant de son et le silence exprimé pendant le temps. Les éléments de son comme utilisé dans la musique sont le lancement (incluant la mélodie et l'harmonie), le rythme (incluant le tempo et le mètre), la structure et les qualités soniques de timbre, l'articulation, la dynamique et la texture.

La création, l'exécution, la signification et même la définition de musique, varie selon la culture et le contexte social. La musique s'étend de compositions strictement organisées et le fonctionnement à improvisational ou des formes aléatoires. Pour les buts de discussion et l'exploration du sujet, la musique est divisée dans des genres et des sous-genres, bien que les lignes de démarcation et les rapports entre des genres de musique soient souvent peu clairs et-ou controversés. Dans "les arts", la musique peut être classifiée comme un art exécutant, un art excellent, ou une forme auditive d'art.

La musique peut aussi impliquer des formes génératives à temps par la construction de modèles et les combinaisons de stimulus naturels, se sonner principalement . La musique peut être utilisée pour artistique ou esthétique, communicatif, le divertissement, des buts cérémoniaux ou religieux et par beaucoup de compositeurs purement comme un instrument universitaire pour l'étude.

Histoire de musique

L'histoire de musique précède le mot écrit et est liée au développement de chaque culture humaine unique. Le développement de musique parmi des gens est arrivé contre le fond de sons naturels comme la chanson et les sons d'autre utilisation d'animaux pour communiquer. La musique préhistorique, encore une fois généralement appelé la musique primitive, est le nom donné à toute la musique produite dans des cultures d'avant-écriture (la préhistoire), commençant quelque part dans la très dernière histoire géologique.

Les figurines jouant des instruments à cordes, ont creusé à Susa, le 3ème millénaire av. J.-C l'Iran le Musée national.

Les figurines jouant des instruments à cordes, ont creusé à Susa, le 3ème millénaire av. J.-C l'Iran le Musée national.

Antique

musique antique

La voix humaine est probablement l'instrument de musique le plus vieux. Une gamme de sites paléolithiques a rapporté des os dans lesquels des trous latéraux ont été percés : on considère d'habitude ceux-ci être des flûtes [1], soufflé à la fin comme le japonais shakuhachi. Les rapports écrits les plus premiers d'expression musicale doivent être trouvés dans le Sama Veda de l'Inde et dans l'écriture cunéiforme de 4,000 ans d'Ur. Les instruments, comme les sept - ont troué la flûte et les types divers d'instruments à cordes ont été remis la civilisation de vallée Indus des sites archéologiques. [2] la musique indienne est une des traditions musicales les plus vieilles dans le monde et la musique classique indienne (marga) peut être trouvée des Ecritures saintes de la tradition hindoue, le Vedas. La musique classique chinoise, l'art traditionnel ou la musique de cour de la Chine ont une histoire s'étirant pendant plus de trois mille ans. La musique était une partie importante de vie culturelle et sociale en Grèce Antique. En Grèce antique, des choeurs de mélanger-genre exécutés pour le divertissement, la célébration et des cérémonies spirituelles et des musiciens et des chanteurs avaient un rôle important dans le théâtre grec. La musique faisait partie de l'éducation de base d'enfant en Grèce antique.

Al-Farabi (872-950) a écrit un livre notable sur la musique s'est intitulé Kitab Al-Musiqa (le Livre de Musique). Il a joué et a inventé un numéro divers d'instruments de musique et son système de ton Arabe pur est toujours utilisé dans la musique arabe aujourd'hui. [3]

Médiéval et Renaissance

Articles principaux : musique médiévale et musique de Renaissance

Tandis que la vie musicale était sans aucun doute riche en ère du haut moyen âge, comme certifié par les descriptions artistiques d'instruments, des écritures de la musique et d'autres rapports, le seul répertoire de musique qui a survécu jusqu'à 800 au jour présent est le plain-chant la musique liturgique de l'Église Catholique, le dont la plus grande partie a été appelée le Chant grégorien. Plusieurs écoles de polyfaux fleuri dans la période après 1100. À côté de ces écoles de musique sacrée une tradition vibrante de chanson laïque s'est développée, comme donné un exemple dans la musique des troubadours, trouvères et Minnesänger.

Beaucoup de musique survivante du 14ème siècle dans l'histoire de musique européenne est laïque. Au milieu du 15ème siècle, les compositeurs et des chanteurs ont utilisé un lisse polyfaux pour des compositions musicales sacrées comme la masse, le motet et le laude; et formes laïques comme le chanson et le madrigal. L'invention d'impression avait une influence immense sur la dissémination de styles musicaux.

Baroque

musique baroque

Les premiers opéras, écrits autour 1600 et la hausse de Contrepoint des compositions musicales définissent la fin de la Renaissance et le début de l'ère Baroque qui a duré jusqu'à 1750, l'année de la mort de J.S. Bach, avec Georg Friedrich Handel le plus de notoriété publique des compositeurs Baroques (quoique beaucoup de compositeurs aient embrassé le mouvement Baroque dans la musique pendant ces années).

Allégorie de Musique, par Filippino Lippi

Allégorie de Musique, par Filippino Lippi

Allégorie de Musique sur l'Opéra Garnier

Allégorie de Musique sur l'Opéra Garnier

Des compositeurs Baroques allemands ont écrit pour de petits ensembles incluant des cordes, le laiton et des bois, aussi bien que des Choeurs, l'organe de pipe, le clavecin et le clavicorde. Pendant la période Baroque, plusieurs formes de musique principales ont été définies qui a duré dans des périodes postérieures où ils ont été étendus et développés plus loin, y compris la Fugue, l'Invention, la Sonate et le Concerto. [4]

Classique

période classique (musique)

La musique de la période Classique est caractérisée par la texture homophonic, montrant souvent la mélodie en vue avec l'accompagnement. Ces nouvelles mélodies ont eu tendance à être presque semblables à la voix et singable. La nouvelle évolution a dominé la musique instrumentale maintenant populaire de formes musicales initialement définies dans la période Baroque : la sonate et le concerto, avec le complément de la nouvelle forme, la symphonie. Franz Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart, bien connu même aujourd'hui, sont parmi les figures centrales de la période Classique.

Romantique

musique romantique

Le fourgon de Ludwig Beethoven et Franz Schubert était des compositeurs transitoires, induisant en la période Romantique, avec leur expansion de genres existants, des formes et les fonctions de musique. Dans la période Romantique, les qualités émotionnelles et expressives de musique sont venues pour avoir la priorité sur l'orientation vers la technique et la tradition. Le dernier 19ème siècle a vu une expansion dramatique dans la taille de l'orchestre et dans le rôle de concerts comme la partie de société urbaine. Des compositeurs Plus tard Romantiques ont créé le complexe et des travaux musicaux souvent beaucoup plus longs, fusionnant et étendant les formes traditionnelles qui avaient précédemment été utilisées séparément. Par exemple, le contrepoint, combiné avec l'harmonie structure pour créer des cordes plus prolongées avec l'utilisation accrue de dissonance et créer la tension dramatique et la résolution.

Le 20ème siècle

musique du 20ème siècle

Le 20ème siècle a vu une révolution dans la musique écoutant comme la radio la popularité gagnée des médias mondiaux et nouveaux et des technologies ont été développés pour enregistrer, capturer, reproduire et distribuer de la musique. Le centre de musique d'art dans le 20ème a été caractérisé par l'exploration. Claude Debussy est devenu bien connu et a respecté pour son orientation vers des couleurs et des descriptions dans son style de la composition. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg et John Cage étaient tous les compositeurs profondément influents dans la musique d'art du 20ème siècle. Le jazz a développé et est devenu un genre significatif de musique pour la durée du 20ème siècle et pendant la deuxième moitié de ce siècle, la musique rock a fait le même.

Exécution

Chinois Nakhi musiciens

L'exécution est l'exécution de musique. Tandis que la musique ne peut pas techniquement exister sans exécution, nous généralement pensons à l'exécution comme étant l'exposition d'un travail musical avant un auditoire. Un travail musical est exécuté une fois que sa structure et instrumentation sont satisfaisants pour ses créateurs; cependant, comme il est exécuté de plus en plus dans quelque temps, il peut développer et changer de n'importe quel numéro de voies.

Une exécution peut ou être répétée ou improvisée. L'improvisation est une idée musicale créée sur place (comme un solo de guitare ou un solo de tambour), sans préméditation antérieure, tandis que la répétition est la répétition vigoureuse d'une idée jusqu'à ce qu'il ait réalisé la cohésion. Les musiciens ajouteront généralement l'improvisation à une idée bien répétée de créer une exécution unique. Beaucoup de cultures incluent les traditions fortes de solo et l'exécution, comme dans la musique classique indienne et dans la tradition de musique Occidentale D'art. D'autres cultures, comme dans Bali, incluent les traditions fortes d'exécution de groupe. Toutes les cultures incluent un mélange d'entre tous les deux et l'exécution peuvent s'étendre du solo improvisé jouant pour son plaisir aux rituels d'exécution fortement projetés et organisés comme le concert classique moderne, des cortèges religieux, des festivals de musique ou des compétitions de musique.

On voit souvent la musique de chambre, qui est de la musique pour un petit ensemble avec seulement quelques-un de chaque type d'instrument, comme plus intime que des travaux symphoniques. Un interprète peut être mentionné comme un musicien.

Tradition auditive

Beaucoup de types de musique, comme le blues traditionnel et des gens ont été à l'origine préservés dans la mémoire d'interprètes et les chansons ont été passées oralement, ou oralement ("par l'oreille"). Quand on ne plus plus connaît le compositeur de musique, cette musique est souvent classifiée comme "traditionnel". Des traditions musicales différentes ont des attitudes différentes comment et où faire des changements au matériel source original, de tout à fait strict, à ceux qu'exigent l'improvisation ou la modification à la musique. L'oreille passe aussi l'histoire par la chanson - par exemple dans des sociétés africaines.

Ornementation

Ornement (musique)

Le détail inclus explicitement dans la notation de musique varie entre des genres et des périodes historiques. En général, la notation de musique d'art du 17ème par au 19ème siècle a exigé que des interprètes aient eu beaucoup de connaissance contextuelle de styles exécutants.

Par exemple, dans le 17ème et le 18ème siècle, la musique notée pour des interprètes de solo indiquait typiquement une mélodie simple, non ornementée. Cependant, on s'y est attendu à ce que les interprètes sachent comment ajouter des ornements stylistiquement appropriés comme des trilles et des tournures. Au 19ème siècle, la musique d'art pour des interprètes de solo peut donner une instruction générale comme exécuter la musique expressivement, sans décrire en détail comment l'interprète devrait le faire. On s'y est attendu à ce que l'interprète sache comment utiliser des changements de tempo, l'accentuation et des pauses (parmi d'autres dispositifs) pour obtenir ce style d'exécution "expressif". Au 20ème siècle, la notation de musique d'art devenait souvent plus explicite et a utilisé une gamme d'inscriptions et des annotations pour indiquer aux interprètes comment ils devraient jouer ou chanter le morceau.

Dans la musique populaire et le jazz, la notation de musique indique presque toujours seulement la structure de base de la mélodie, l'harmonie, ou l'approche d'exécution; on s'attend aux musiciens et des chanteurs pour savoir les conventions d'exécution et les styles associés aux genres spécifiques et des pièces. Par exemple, "la feuille principale" pour un air de jazz peut seulement indiquer la mélodie et les changements de corde. On s'attend aux interprètes dans l'ensemble de jazz pour savoir comment "étoffer" cette structure de base en ajoutant des ornements, la musique improvisée et l'accompagnement chordal.

Production

production de musique

La musique est composée et exécutée pour beaucoup de buts, aux limites du plaisir esthétique, des buts religieux ou cérémoniaux, ou comme un produit de divertissement pour le marché. Des musiciens amateurs composent et exécutent de la musique pour leur plaisir propre et ils n'essayent pas de tirer leur revenu de la musique. Des musiciens professionnels sont employés par une gamme d'institutions et des organisations, y compris des forces armées, des églises et des synagogues, des orchestres de symphonie, émettant ou des sociétés de production de film et des écoles de musique. Aussi, des musiciens professionnels travaillent comme des travailleurs indépendants, cherchant des contrats et des engagements dans une variété de fixations.

Bien que des musiciens amateurs diffèrent de musiciens professionnels dans ces musiciens amateurs ont une source non-musicale de revenu, il y a souvent beaucoup de liaisons entre des musiciens amateurs et professionnels. Le commencement de musiciens amateurs prend des leçons avec des musiciens professionnels. Dans des fixations de communauté, des musiciens amateurs avancés exécutent avec des musiciens professionnels dans une variété d'ensembles et des orchestres. Dans quelques cas rares, des musiciens amateurs atteignent un niveau professionnel de compétence et ils sont capables d'exécuter dans des fixations d'exécution professionnelles.

Une distinction est souvent faite entre la musique exécutée pour l'avantage d'un auditoire vivant et d'une musique qui est exécutée pour le but d'enregistrement et distribuée par le système de vente au détail de musique ou le système diffusant. Cependant, il y a aussi des nombreux cas où une exécution vivante devant un auditoire est enregistrée et distribuée (ou l'émission).

Composition

composition musicale

La composition est l'acte de créer de la musique, sur le papier ou dans le son. La plupart des cultures utilisent au moins la partie du concept de matériel musical preconceiving, ou la composition, comme tenu dans la musique classique occidentale. Même quand la musique est notée précisément, il y a toujours beaucoup de décisions qu'un interprète doit faire. Le processus d'un interprète décidant comment exécuter la musique qui a été précédemment composée et noté est nommé l'interprétation.

Les interprétations des interprètes différents de la même musique peuvent varier largement. Les compositeurs et les auteurs de chanson qui présentent leur musique propre interprètent, autant que ceux qui exécutent la musique d'entre d'autres ou la musique folklorique. Le corps standard de choix et le présent de techniques à un moment donné et une place donnée est mentionné comme la pratique d'exécution, où comme l'interprétation est généralement utilisée pour signifier choix individuels d'un interprète, ou un aspect de musique qui n'est pas claire et a donc une interprétation "standard".

Dans quelques genres musicaux, comme le jazz et le blues, même on donne plus de liberté à l'interprète pour s'engager dans l'improvisation sur une structure mélodique, harmonique, ou rythmique de base. On donne la latitude la plus grande à l'interprète dans un style d'exécuter appelé l'improvisation libre, qui est matérielle qui est spontanément "pensé" (à imaginé) tandis qu'étant exécuté, non préconçu. Selon l'analyse de Georgiana Costescu, la musique improvisée suit d'habitude stylistique ou des conventions de genre et même "entièrement composé" inclut certains matériel librement choisi (voir precompositional). La composition ne signifie pas toujours l'utilisation de notation, ou la paternité unique connue d'un individu.

La musique peut aussi être décidée en décrivant "un processus" qui peut créer des sons musicaux, les exemples de cette gamme de carillons de vent, par les programmes informatiques qui choisissent des sons. La musique qui contient des éléments choisis est par hasard appelée la musique Aléatoire et est associée à de tels compositeurs que John Cage, Morton Feldman et Witold Lutoslawski.

La composition musicale est un terme qui décrit la composition d'une oeuvre musicale. Les méthodes de composition varient largement d'un compositeur à un autre, cependant dans l'analyse de la musique toutes les formes - spontané, formé, ou non formé - sont construites aux éléments comprenant un morceau musical. La musique peut être composée pour l'exécution répétée ou il peut être improvisé; composé sur place. La musique peut être exécutée entièrement de la mémoire, d'un système écrit de notation musicale, ou une certaine combinaison d'entre tous les deux. L'examen a traditionnellement dominé l'étude de composition de méthodes et la pratique de musique classique Occidentale, mais la définition de composition est assez large pour inclure des travaux spontanément improvisés comme ceux d'interprètes de jazz libres et des batteurs africains.

Ce qui est important dans la compréhension de la composition d'un morceau est singling de ses éléments. Une compréhension des éléments formels de musique peut être utile dans le déchiffrement exactement comment un morceau est construit. Un élément universel de musique est comment les sons arrivent à temps, qui est mentionné comme le rythme d'une oeuvre musicale.

Quand un morceau semble avoir un sens de temps changeant, on le considère être dans le temps rubato, une expression italienne qui indique que le tempo du morceau change au costume l'intention expressive de l'interprète. Le placement Même aléatoire de sons aléatoires, qui arrive dans le montage musical, arrive dans quelque temps et emploie ainsi le temps comme un élément musical.

Il y a un grand numéro de sites divers avec des traces de musique, des albums et l'information sur des musiciens. Si vous cherchez un certain HiPakistan mp3 la trace ou l'album utilisant l'Internet est la meilleure décision.

Peu importe que le style de musique vous préférez, il vaut vraiment la peine de vérifier, si vous êtes la musique préférée est ici. Aimant punk acide ou samba, nage libre ou instrumental, reggae de jazz. Le large numéro de HiPakistan classique mp3 la musique est aussi disponible.

Malgré le fait que le numéro de sites et des magasins avec des albums de musique et des traces augmente constamment et rien est plus facile que trouver la trace nécessaire, nous pouvons dire à coup sûr, trouvant certains des traces rarement rencontrées et uniques sont un problème réel. C'est pourquoi le site a une collection de musique qui n'est pas extrêmement populaire, mais néanmoins aimée par des gourmets musicaux.

Les prix pour des albums musicaux et HiPakistan mp3 la chanson sont encore un question qui intéresse des clients. Cette société propose des prix du son pour le son. Les prix pour des disques différents peuvent différer et il admet un numéro que plus large de clients trouve la même proposition dans laquelle ils fouillaient puisque les articles qui sont appropriés et accessibles pour eux.

Tandis que les processus de clients d'enregistrement reçoivent 0.30 $ déposés à leur compte, il permet aux visiteurs de sites de s'assurer dans la qualité de services proposés gratuitement . Agréable nouvel est que les clients qui font des dépôts par la Carte de crédit commençant de 20 USD reçoivent des bonus de 100 % (des paiements de 20 $ signifient 40 $ supplémentaires à l'équilibre du client, $30=$60).

Les visiteurs de tels sites peuvent aussi faire un paiement par exemple 20 $ et recevoir 0.02 $ chaque jour. On le permet avec l'aide d'arrangement de Bonus Quotidien spécial.

La fabrication d'un autre paiement de 30 $ et la quantité de bonus sera 0.05 $ chaque jour.

Encore un fait important est l'avis légal. Il devrait être mentionné que toute l'information, toutes les traces, des slogans, des noms et des marques mentionnées sur le site sont légaux et appartiennent seulement aux propriétaires de site de musique. Le complexe entier de services et des matériels disponibles sur le site est autorisé selon la licence * 33/3M-06 des détenteurs Justes la Fédération pour la Gestion de Droit d'auteur Collective de Travaux Utilisés En mode interactif (NP "la FOIRE"). Information sur le site et tout le HiPakistan mp3s, le ROYAUME-UNI, nous, les Etats-Unis

Vendu par la société peut être utilisé seulement pour des buts personnels et on cela interdit de le distribuer plus loin, vendre à d'autres gens ou des sociétés ou l'émission sans accord d'iomio.com.

Avoir l'accès pour eu besoin d'articles et acheter HiPakistan légal mp3s les visiteurs du site devrait se faire inscrire d'abord. Pendant la procédure d'administration d'enregistrement reçoit l'information personnelle sur chaque client, néanmoins la société garantit la confiance. Le client se faisant inscrire sur le site reçoit de certaines choses requises (l'établissement de la connexion et le mot de passe) qui aidera à identifier chaque visiteur du site. Chaque fois les clients visitent le site après l'enregistrement ils utilisent leurs établissements de la connexion propres et mots de passe. Des choses requises personnelles ne doivent pas être révélées à d'autres gens; dans d'autres procédures de cas sur le site sera risqué pour le client aussi bien que pour l'administration du site. En payant pour un ou un autre service ou l'article disponible sur le site, le client transfère son argent avec l'aide de coffre-fort SSL le rapport pour qu'aucune donnée ne soit disponible pour l'administration du site et la procédure est absolument sûre.

'La communication' du site et ses visiteurs est produite par les Adresses IP de clients et avec l'aide de cookies sur leurs ordinateurs individuels. Un tel système de travail permet de faire toutes les procédures plus efficaces et identifier des utilisateurs. Votre information personnelle sur le site peut être révélée seulement dans des cas mentionnés dans les Lois de la Fédération de Russie.

Notation

notation musicale

La notation est l'expression écrite de notes de musique et des rythmes sur le papier utilisant des symboles. Quand la musique est notée, les lancements et le rythme de la musique est noté, avec des instructions sur la façon d'exécuter la musique. C'est mentionné comme la notation musicale et l'étude de la façon de lire la notation implique la théorie de musique, l'harmonie, l'étude de pratique d'exécution et dans quelques cas une compréhension de méthodes d'exécution historiques.

Notation musicale

Notation musicale

La notation Écrite varie avec le style et la période de musique. Dans la musique Occidentale D'art, les types les plus communs de notation écrite sont le grand nombre, qui inclut toutes les parties de musique d'un morceau d'ensemble et des parties, qui sont la notation de musique pour les interprètes individuels ou les chanteurs. Dans la musique populaire, le jazz et le blues, la notation musicale standard est la feuille principale, qui note la mélodie, des cordes, le lyrique (si c'est un morceau vocal) et la structure de la musique. Néanmoins, le grand nombre et des parties sont aussi utilisés dans la musique populaire et le jazz, particulièrement dans de grands ensembles comme le jazz "de grandes bandes."

Dans la musique populaire, les guitaristes et des joueurs de basse électriques lisent souvent de la musique notée dans la plaque, qui indique l'emplacement des notes à être joué sur l'instrument utilisant un diagramme de la touche de basse ou la guitare. Tabulature a été aussi utilisé dans l'ère Baroque pour noter de la musique pour le luté, un instrument à cordes, tourmenté.

La musique Notée est produite comme des partitions pour les interprètes pour lire de. Exécuter la musique de la notation exige une compréhension tant du style musical que de la pratique d'exécution qui est associée à une oeuvre musicale ou à un genre.

Improvisation

improvisation musicale

L'improvisation est la création de musique spontanée. On considère souvent l'improvisation un acte de composition instantanée par des compositeurs, où des techniques de la composition sont employées avec ou sans préparation.

Théorie

Théorie de Musique

La théorie de musique englobe la nature et la mécanique de musique. Il implique souvent les modèles identifiants qui dirigent les techniques des compositeurs. Dans un sens plus détaillé, la théorie de musique (dans le système occidental) distille aussi et analyse les éléments de musique - le rythme, l'harmonie (la fonction harmonique), la mélodie, la structure et la texture. On connaît les gens qui étudient ces propriétés comme des théoriciens de musique.

Connaissance

connaissance de musique

Nouvelle information : Audition (de sens)

Concert dans le Mozarteum, Salzbourg

Le champ de connaissance de musique implique l'étude de beaucoup d'aspects de musique incluant comment il est traité par des auditeurs. Plutôt qu'accepter les pratiques standard d'analyse, la création et la musique d'exécution comme un donné, beaucoup de recherche dans la connaissance de musique cherche au lieu de cela à découvrir les processus mentaux qui sont à la base de ces pratiques. Aussi, la recherche dans le champ cherche à découvrir des communautés entre les traditions musicales de cultures disparates et "les contraintes" cognitives possibles qui limitent ces systèmes musicaux. Les questions quant au fait d'être inné musical et des réponses émotionnelles à la musique sont aussi les secteurs principaux de recherche dans le champ.

Il est important de noter que les gens Sourds peuvent éprouver de la musique en sentant les vibrations dans leur corps, un processus qui peut être augmenté si l'individu tient un objet résonant, creux. Un musicien sourd bien connu est le fourgon de compositeur Ludwig Beethoven, qui a composé beaucoup de travaux célèbres même après qu'il avait complètement perdu son audition. Les exemples récents de musiciens sourds incluent Evelyn Glennie, un percussionniste fortement acclamé qui a été sourd depuis l'âge de douze et Chris Buck, un violoniste de virtuose qui a perdu son audition. C'est approprié comme il indique que la musique est un processus cognitif plus profond que des expressions non examinées comme, "la complaisance à l'oreille" suggérerait. Beaucoup de recherche dans la connaissance de musique cherche à découvrir ces processus mentaux complexes impliqués dans l'écoute de la musique, qui peut sembler intuitivement simple, cependant est énormément complexe et complexe.

Sociologie

La musique est éprouvée par des individus dans une gamme de fixations sociales aux limites d'être seule à la présence d'un grand concert. Le fonctionnement musical prend des formes différentes dans des cultures différentes et des milieux socio-économiques. En Europe et l'Amérique du Nord, il y a souvent un divisé entre ce que les types de musique sont vus comme "une haute culture" et "la culture basse." "La Haute culture" les types de musique inclut typiquement la musique Occidentale d'art comme Baroque, Classique, Romantique et des symphonies d'ère moderne, des concertos et des travaux de solo et entend typiquement aux concerts formels dans des salles de concert et des églises, avec l'auditoire étant assis tranquillement dans des places.

D'autre part, d'autres types de musique comme le jazz, le blues, l'âme et le pays sont souvent exécutés dans des barres, des boîtes de nuit et des théâtres, où l'auditoire peut être capable de boire, danser et s'exprimer en acclamant. Jusqu'au 20ème siècle postérieur, la division entre des formes musicales "hautes" et "basses" a été largement acceptée comme une distinction valable qui s'est séparée de la meilleure qualité, plus avancé "la musique d'art" des styles populaires de musique entendue dans des barres et des dancings.

Cependant, dans les années 1980 et les années 1990, des musicologues l'étudiant perçu se divisent entre des genres musicaux "hauts" et "bas" a soutenu que cette distinction n'est pas basée sur la valeur musicale ou la qualité des types différents de musique. [La citation nécessaire] Plutôt ils ont soutenu que cette distinction était basée en grande partie sur la position socio-économique ou la classe sociale des interprètes ou de l'auditoire des types différents de musique. [La citation nécessaire] Par exemple, tandis que l'auditoire pour des concerts de symphonie Classiques a typiquement des revenus extraordinaires, l'auditoire pour un concert de hip-hop dans un secteur de quartiers déshérités peut avoir au-dessous de la moyenne des revenus. Bien que les interprètes, l'auditoire, ou le rendez-vous où non - la musique "d'art" soit exécutée peut avoir un statut socio-économique inférieur, la musique qui est exécutée, comme le blues, le hip-hop, le punk, le funk, ou ska peut être très complexe et sophistiqué.

Quand les compositeurs présentent les styles de musique qui rompent avec la convention, il peut y avoir une résistance forte des experts de musique universitaires et la culture populaire. On a tout considéré la période dernière Beethoven des quatuors d'instruments à cordes, Stravinsky le grand nombre de ballet, serialism, le jazz de bebop-ère, l'étape de hanche, la roche de punk et electronica la non-musique par quelques critiques quand ils ont été d'abord présentés. [Citation nécessaire]

Médias et Technologie

Nouvelle information : musique informatique

On peut entendre la musique que les compositeurs font par plusieurs médias; la voie la plus traditionnelle est de l'entendre vivre, en présence, ou comme un des musiciens. La musique vivante peut aussi être l'émission sur la radio, la télévision ou l'Internet. Quelques styles musicaux se concentrent sur la production d'un son pour une exécution, tandis que d'autres se concentrent sur la production d'un enregistrement qui mélange ensemble les sons qui n'ont jamais été joués "en direct". L'enregistrement, même des styles qui sont essentiellement vivants, utilisent souvent la capacité d'éditer et épisser pour produire les enregistrements que l'on considère mieux que l'exécution réelle.

Comme des images parlantes ont apparu au début du 20ème siècle, avec leurs traces musicales pré-enregistrées, un nombre croissant de musiciens d'orchestre moviehouse s'est trouvé au chômage. [5] Pendant les années 1920 en direct le fonctionnement musical par des orchestres, des pianistes et des organistes de théâtre était commun aux théâtres de la première course [6] Avec l'arrivée des films de cinéma parlants, ceux le fonctionnement montre a été en grande partie éliminé. La Fédération américaine de Musiciens a enlevé la publicité de presse protestant du remplacement de musiciens vivants avec des dispositifs de jeu mécaniques. Une annonce de 1929 qui a apparu à Pittsburgh appuie des fonctions une image d'une boîte étiquetée "la Musique En conserve / la Grande Marque Sonore / Garanti pour Ne produire Aucune Réaction Intellectuelle ou Émotionnelle Indépendamment" [de 7]

Depuis la législation présentée pour aider protéger des interprètes, des compositeurs, des éditeurs et des producteurs, y compris l'Acte d'Enregistrement Domestique Audio de 1992 aux Etats-Unis et la Convention de Berne révisée 1979 pour la Protection de Travaux Littéraires et Artistiques au Royaume-Uni, les enregistrements et le fonctionnement vivant sont aussi devenus plus accessibles par des ordinateurs, des dispositifs et l'Internet en forme que l'on connaît généralement comme la musique sur demande.

Dans beaucoup de cultures, il y a moins de distinction entre l'exécution et l'écoute de la musique, comme pratiquement chacun est impliqué dans une sorte d'activité musicale, souvent commune. Dans des pays industrialisés, écoutant la musique par une forme enregistrée, comme l'enregistrement de son ou l'observation d'un vidéo de musique, est devenu plus commun que l'épreuve de l'exécution vivante, grossièrement au milieu du 20ème siècle.

Parfois, le fonctionnement vivant incorpore des sons pré-enregistrés. Par exemple, un DISC-JOCKEY utilise des rapports de disque pour griffant et quelques travaux 20ème-siècle ont un solo pour un instrument ou une voix qui est exécutée avec la musique qui est pré-enregistrée sur une bande. Les ordinateurs et beaucoup de claviers peuvent être programmés pour produire et jouer la musique de MIDI. Les spectateurs peuvent aussi devenir des interprètes en participant dans Karaoke, une activité d'origine japonaise qui se concentre autour d'un dispositif qui joue les versions éliminées de voix de chansons bien connues. La plupart des machines de karaoke ont aussi des écrans vidéo qui montrent le lyrique aux chansons étant exécutées; les interprètes peuvent suivre le lyrique comme ils chantent sur les traces instrumentales.

Affaire

industrie de musique

L'industrie de musique se réfère à l'industrie d'affaires connectée avec la création et la vente de musique. Il consiste en sociétés record, des étiquettes et les éditeurs qui distribuent des produits de musique enregistrés internationalement et qui contrôle souvent les droits à ces produits. Quelques étiquettes de musique sont "indépendantes", tandis que d'autres sont les filiales de plus grandes entités d'entreprise ou des groupes de médias internationaux.

Éducation

Primaire

éducation de musique

L'incorporation de musique recevant une formation de préscolaire poster l'éducation secondaire est commune en Amérique du Nord et l'Europe, parce que la participation dans la musique est pensée pour apprendre des habiletés de base comme la concentration, le compte, l'écoute et la coopération en aussi promouvant la compréhension de langue, l'amélioration la capacité de se rappeler l'information et la création un environnement plus contribuant à l'étude dans d'autres secteurs. [8] Dans des écoles primaires, les enfants apprennent souvent à jouer des instruments comme l'enregistreur, chanter dans de petits choeurs et apprendre de l'histoire de musique Occidentale d'art. Dans des étudiants de collèges d'enseignement général peut avoir l'occasion d'exécuter un certain type d'ensembles musicaux, comme des choeurs, marchant au pas des bandes, des bandes de concert, des jazz-bands, ou des orchestres et dans quelques systèmes scolaires, les classes de musique peuvent être disponibles. Quelques étudiants prennent aussi des leçons de musique privées avec un enseignant. Des musiciens amateurs prennent typiquement des leçons pour apprendre des rudiments musicaux et le débutant - au niveau intermédiaire des techniques musicales.

Au niveau d'université, les étudiants dans la plupart des arts et des programmes d'humanités peuvent recevoir le crédit de prendre des cours de musique, qui prennent typiquement la forme d'un cours de vue d'ensemble sur l'histoire de musique, ou un cours d'appréciation de musique qui se concentre sur l'écoute de la musique et l'étude de styles musicaux différents. De plus, la plupart des universités Nord-américaines et européennes ont un certain type d'ensembles musicaux que les étudiants de non-musique sont capables de participer à, comme des choeurs, marchant au pas des bandes, ou des orchestres. L'étude de musique Occidentale d'art est de plus en plus commune à l'extérieur de l'Amérique du Nord et l'Europe, comme STSI dans Bali, ou les programmes de musique Classiques qui sont disponibles dans des pays asiatiques comme la Corée du Sud, le Japon et la Chine. En même temps, des universités Occidentales et des collèges élargissent leur programme d'études pour inclure de la musique de cultures non-occidentales, comme la musique de l'Afrique ou Bali (par exemple. Gamelan musique).

Monde universitaire

Musicologie

La musicologie est l'étude du sujet de musique. Les définitions les plus premières ont défini trois sous-disciplines : musicologie systématique, musicologie historique et musicologie comparative. Dans la bourse contemporaine, on va plus probablement rencontrer une division de la discipline dans la théorie de musique, l'histoire de musique et ethnomusicology. La recherche dans la musicologie était souvent enrichie par le travail interdisciplinaire, par exemple dans le champ de psychoacoustics. L'étude de musique de cultures non-occidentales et l'étude culturelle de musique, est appelée ethnomusicology.

Les diplômés de programmes de musique d'étudiant préparant une licence peuvent continuer à plus loin étudier dans des programmes de diplômé de musique. Les diplômes du 3e cycle incluent le Maître de Musique, le Maître d'Arts, le PhD (par exemple, dans la musicologie ou la théorie de musique) et plus récemment, le Docteur d'Arts Musicaux, ou DMA. On attribue typiquement au Maître de degré de Musique, qui prend un à deux ans pour achever, aux étudiants étudiant l'exécution d'un instrument, l'éducation, la voix ou la composition. On attribue typiquement au Maître de licence ès lettres, qui prend un à deux ans pour achever et pour exige souvent une thèse, aux étudiants étudiant la musicologie, l'histoire de musique, ou la théorie de musique. Les degrés d'université d'étudiant préparant une licence dans la musique, y compris le Bachelier de Musique, le Bachelier d'Éducation de Musique et le Diplôme de lettres (avec un principal dans la musique) prennent typiquement trois à cinq ans pour achever. Ces degrés fournissent aux étudiants une base dans la théorie de musique et l'histoire de musique et beaucoup d'étudiants étudient aussi un instrument ou apprennent la technique chantante comme la partie de leur programme.

Le PhD, qui est exigé pour les étudiants qui veulent travailler comme des professeurs d'université dans la musicologie, l'histoire de musique, ou la théorie de musique, prend trois à cinq ans d'étude après le degré du Maître, pendant lequel le temps l'étudiant achèvera des cours avancés et entreprendra la recherche pour une dissertation. Le Docteur d'Arts Musicaux (DMA) est un relativement nouveau degré qui a été créé pour fournir des lettres de créance pour des interprètes professionnels ou les compositeurs qui veulent travailler comme des professeurs d'université dans l'exécution musicale ou la composition. Le DMA prend trois à cinq ans après le degré d'un Maître et inclut des cours avancés, des projets et le fonctionnement. À l'époque médiévale, l'étude de musique était un du Quadrivium des sept Arts Libéraux et a considéré essentiel à l'étude plus haute. Dans Quadrivium quantitatif, la musique, ou plus exactement les harmoniques, étaient l'étude de dimensions raisonnables.

Zoomusicology est l'étude de la musique d'animaux non-humains, ou les aspects musicaux de sons produits par des animaux non-humains. Comme George Herzog (1941) a demandé, "des animaux ont de la musique ?" François-Bernard Mâche Musique, mythe, la nature, ou les Dauphins d'Arion (1983), une étude "d'ornitho-musicologie" utilisant une technique de la Langue de Ruwet, musique, poésie (1972) l'analyse de segmentation paradigmatique, montre que les chansons d'oiseau sont organisées selon un principe de transformation de répétition. Jean-Jacques Nattiez (1990), soutient que "dans la dernière analyse, c'est un être humain qui décide ce qui est et n'est pas musical, même quand le son n'est pas d'origine humaine. Si nous reconnaissons que le son n'est pas organisé et conceptualisé (c'est-à-dire fait pour former de la musique) simplement par son producteur, mais par l'avis qui le perçoit, donc la musique est uniquement humaine."

La théorie de musique est l'étude de musique, généralement dans une façon fortement technique à l'extérieur d'autres disciplines. Plus largement il se réfère à n'importe quelle étude de musique, d'habitude liée en une certaine forme avec des soucis de la composition et peut inclure des mathématiques, la physique et l'anthropologie. Ce que l'on plus apprend généralement des classes de théorie de musique commençantes sont des directives pour écrire dans le style de la période de pratique commune, ou la musique tonale. La théorie, même celle qu'étudie de la musique de la période de pratique commune, peut prendre beaucoup d'autres formes. La théorie de jeu musicale est la demande de théorie de jeu mathématique à la musique, d'abord appliquée à la musique atonale. La théorie de musique spéculative, contrastée avec la théorie de musique analytique, est consacrée à l'analyse et à la synthèse de matériels de musique, accordant par exemple des systèmes, généralement comme la préparation pour la composition.

Ethnomusicology

Ethnomusicology

À l'Ouest, beaucoup d'histoire de musique que l'on apprend traite avec la musique d'art de la civilisation Occidentale. On apprend aussi l'histoire de musique dans d'autres cultures ("la musique du monde" ou le champ de "ethnomusicology") dans des universités Occidentales. Cela inclut les traditions classiques documentées de pays asiatiques à l'extérieur de l'influence de l'Europe occidentale, aussi bien que la musique populaire ou indigène de divers d'autres cultures.

Les styles populaires de musique diverse largement de culture à culture et de temps en temps. Des cultures différentes ont souligné des instruments différents, ou des techniques, ou des utilisations pour la musique. La musique a été utilisée non seulement pour le divertissement, pour des cérémonies et pour la communication pratique et artistique, mais aussi pour la propagande dans des pays totalitaires.

Il y a un hôte de classifications de musique, dont beaucoup sont attrapées dans l'argument sur la définition de musique. Parmi le plus grand de ceux-ci est la division entre la musique classique (ou la musique "d'art") et la musique populaire (ou la musique commerciale - incluant le rock 'n' roll, la musique country et la musique pop). Quelques genres ne vont pas proprement dans un d'entre ces "de grands deux" des classifications, (comme la musique folklorique, la musique du monde, ou la musique de jazz).

Comme des cultures du monde sont entrées en contact plus grand, leurs styles musicaux indigènes se mêlaient souvent dans de nouveaux styles. Par exemple, les Etats-Unis bluegrass le style contiennent des éléments de l'anglo-irlandais, des traditions instrumentales et vocales écossaises, irlandaises, allemandes et africaines, qui étaient capables de se fusionner dans la société multi-ethnique des Etats-Unis. Les genres de musique sont décidés autant par la tradition et la présentation que par la musique réelle. Tandis que la musique la plus classique est acoustique et a été censée être exécutée par des individus ou des groupes, beaucoup de travaux décrits comme "classique" incluent des échantillons ou la bande, ou sont mécanique. [Recherche originale ?] quelques travaux, comme la Rhapsodie de Gershwin dans Bleu, sont revendiqués tant par le jazz que par la musique classique. Beaucoup de festivals de musique actuels célèbrent un genre musical particulier.

La musique indienne, par exemple, est un des types vivants les plus vieux et les plus longs de musique et entend toujours largement et exécutée au Sud l'Asie, aussi bien qu'internationalement (d'autant plus que les années 1960). La musique indienne a principalement 3 formes de musique Classique, Carnatic, Hindou et des styles Dhrupad. Il a aussi un grand répertoire de styles, qui impliquent seulement la musique de Percussion comme le fonctionnement Tala-vadya célèbre au Sud l'Inde.

Le baladeur est une marque de Sony populaire a eu l'habitude de commercialiser ses joueurs audio et vidéo portatifs. Le Baladeur original a présenté à un changement de la musique écoutant des habitudes, permettant aux gens de porter leur choix propre de musique avec eux.

Le Baladeur original a été sorti en 1979 comme le Baladeur au Japon, le Soundabout dans beaucoup d'autres pays incluant les EU et le Passager clandestin au ROYAUME-UNI. Le dispositif a été créé par l'ingénieur de division audio Nobutoshi Kihara pour le Co-président Sony Morita, qui a voulu être capable d'écouter des opéras pendant ses voyages d'avion transpacific fréquents. [1] Morita a détesté le nom "le Baladeur" et cela a demandé d'être changé, mais adouci après être dit par des cadres débutants qu'une campagne de promotion avait déjà commencé à utiliser 'le Baladeur' nomment et serait trop cher changer. [1]

Cependant, le premier baladeur portatif le lecteur de cassette audio, appelé Stereobelt, avait été inventé plus tôt par le Brésilien Allemand Andreas Pavel en 1972, [2] et fait breveter aux Etats-Unis en 1978. [3] Après lenghthy des batailles légales, Andreas Pavel a été finalement reconnu par Sony en 2003 comme l'inventeur original du Baladeur. [2]

Les noms "le Baladeur", "Pressman", "le Gardien", "Scoopman", "Discman" et "Talkman" sont les marques déposées de Sony et ont été appliqués à un grand choix de dispositifs de divertissement portatifs fabriqués par la société. Sony continue à utiliser la marque "de Baladeur" pour la plupart de leurs dispositifs audio portatifs, après que le nom de "Discman" pour des lecteurs de CD a été baissé à la fin des années 1990. Selon Sony, la forme plurielle est "des Baladeurs de Baladeur", plutôt que "des Baladeurs" ou "Walkmen" (vraisemblablement pour préserver leur marque déposée sur "le Baladeur"). [4]

En mars 2007, Sony a prolongé la marque de Baladeur Vidéo en lançant son premier Baladeur vidéo digital, à base de flash, le NW-A800. [5]

Baladeur TPS-L2 (1979)

Le modèle de Baladeur bleu-et-d'argent original TPS-L2 est allé en vente au Japon le 1 juillet 1979. Au ROYAUME-UNI, il est venu à avec la lecture stéréo et deux mini crics de casque à écouteurs, permettant à deux personnes d'écouter en même temps (quoiqu'il soit venu seulement avec une paire de casque à écouteurs MDR-1). Où le Pressman avait le bouton d'enregistrement, le Baladeur avait un bouton "de ligne ouverte 24 heures" qui a activé à un petit microphone incorporé (le Pressman), ignorant partiellement le son de la cassette et permettant à un utilisateur de parler à d'autre sur la musique. Les crics duels et le bouton "de ligne ouverte 24 heures" ont été éliminés progressivement dans le Baladeur complémentaire II modèle.

Baladeur WM-D6C Pro (1995)

Quelques dispositifs étaient aussi capables d'enregistrement. Le Baladeur Sony de la qualité la plus haute enregistrant le lecteur de cassettes était le Professionnel de Baladeur WM-D6C. Il a été présenté en 1984 et était comparable dans la qualité audio avec beaucoup de lecteurs de cassettes non-portatifs les meilleurs. Peu commun pour un dispositif portatif, le Professionnel de Baladeur avait des mètres de niveau d'enregistrement MENÉS brillants et le contrôle manuel d'enregistrer des niveaux. Il a été équipé du quartz l'axe de commande direct et la tête amorphe. Actionné par la conduite maîtresse AC locale ou par 4 batteries AA (comparé avec 2 pour la plupart des modèles de Baladeur), il a été largement utilisé par des journalistes et a développé une chose suivante parmi des enthousiastes hi-fi; peu commun pour un produit d'électronique grand public, il était dans la production, inchangée, pendant presque 20 ans. Un du premier CD de mot parlé d'Henry Rollin a été enregistré avec un Baladeur Pro.

Parmi la compétition féroce, principalement de Toshiba (le Walky), Aiwa (le CassetteBoy) et Panasonic, à la fin des années 80, Sony upped la première mise de nouveau en créant seul de lecture WM-DD9, a lancé en 1989 pendant le 10ème anniversaire du Baladeur (cinq ans après le WM-D6C) et est devenu le Saint Graal pour un groupe de niche de cassette des collectionneurs de Baladeur. C'est le seul Baladeur auto-inverse dans l'histoire pour utiliser un deux moteur, le quartz fermé, le système de lecteur de disques semblable aux lecteurs de cassettes domestiques hauts de gamme pour assurer la vitesse de bande précise pour les deux côtés de lecture (seulement un moteur fonctionne à la fois selon le côté de la bande étant jouée). La consommation électrique a été améliorée en exigeant seulement une batterie AA ou un gumstick-type rechargeable, avec l'entrée d'adaptateur AC facultative. Il est aussi équipé d'un trou serré la tête de bande amorphe capable de reproduire la pleine gamme de fréquence de 20-20,000 Hz, un or le cric de casque à écouteurs plaqué et un corps de 2 millimètres d'épaisseur d'aluminium. Sony a fait ce modèle avec la qualité seulement du son en mémoire, donc il ne contient aucune fonction de truc comme la télécommande en vigueur, la recherche de musique, ou la saisie à cristaux liquides. Ses seules fonctions sont Dolby B/C le décodage de réduction sonore, Mega Bass/DBB l'augmentation de basse, enregistrent sur bande l'élite de type et deux modes inverses autos.

Baladeur WM-EX170 (1998)

À la fin des années 1990, on passait généralement le Baladeur à base de cassette en faveur des technologies digitales naissantes de CD, DAT et le Minidisque. Après 2000, des produits de Baladeur à base de cassette (et leurs sosies) s'approchaient de l'obsolescence technologique comme le format de cassette a été graduellement éliminé progressivement. Cependant, Sony continue toujours à faire des baladeurs de Baladeur à base de cassette aujourd'hui.

Tous les cinq ans puisque le baladeur de Baladeur est né en 1979 jusqu'à 1999, Sony célébrerait en sortant avec un modèle de cassette annuel le 1 juillet avec des percées sans précédent dans la technologie et des fonctions. Chaque modèle annuel porte un thème différent en conservant quelques caractéristiques de modèles annuels précédents : WM-701S (le thème de gentillesse d'utilisateur avec la télécommande et l'argent de sterling mince a plaqué le corps - 1989), WM-EX1HG (le thème d'efficacité avec la longue autonomie de la batterie et le menu contextuel éjecte - 1994), WM-WE01 (le thème sans fil avec la télécommande à piles et des écouteurs à piles - 1999). Cependant, la cassette l'innovation de Baladeur viendrait à une fin comme pendant son 25ème Anniversaire, Sony a voulu pas présenter un autre modèle de cassette de course limité, mais au lieu de cela, a révélé le disque dur NW-HD1 basé en 2004 pour officiellement prédire la mort de la cassette compacte. (Sony a vraiment sorti deux modèles annuels en 2003, mais ils étaient des joueurs de Minidisque - voir ci-dessous.) La dernière seule de jeu cassette le Baladeur à être présenté (en Amérique du Nord, au moins) était le WM-FX290, d'abord vendu en 2002, qui a aussi montré le réglage d'accord digital, EST, DE, la TV et la radio de bande météorologique, fonctionnant sur une batterie AA simple. Au Canada, au moins (où, comme toutes les radios portatives distribuées dans ce pays, le WM-FX290 a manqué de l'accès à la TV et des bandes météorologiques) ce dispositif semble avoir cessé la production à partir de mai 2006. En août 2006, Sony le Canada a commencé à vendre à la cassette des Baladeurs de nouveau, mais cette fois ils offraient seulement un modèle de base, le WM-FX197.

Malgré le déclin des Baladeurs à base de cassette, des modèles logiquement faits fonctionner de luxe (WM-GX788, WM-FX700, etc) sont toujours vendus dans quelques pays, particulièrement en Corée du Sud et le Japon. Ces modèles soutiennent toujours un gumstick-type prétendu la batterie rechargeable, l'offre la relativement meilleure qualité du son que des modèles meilleur marché font et ont un sélecteur de position de bande automatique et auto-changent-complètement la fonction.

Stereobelt

Un baladeur portatif le lecteur de cassette audio, appelé Stereobelt, a été d'abord inventé par le Brésilien Allemand Andreas Pavel en 1972. Pavel a classé un brevet d'invention pour son Stereobelt en Italie en 1977, suivie par des demandes évidentes aux Etats-Unis, l'Allemagne, le Royaume-Uni et le Japon vers la fin de 1978. [2]

En 1979, Sony a commencé à vendre le Baladeur populaire et en 1980 a commencé des pourparlers légales avec Pavel quant aux honoraires de redevance. En 1986 Sony a finalement consenti à payer des droits d'auteur à Pavel, mais seulement pour des ventes en Allemagne et seulement pour quelques modèles et a refusé de le reconnaître comme l'inventeur du dispositif. [2]

En 2001, Pavel a menacé Sony de costumes légaux dans chaque pays dans lequel il avait fait breveter son invention. La société a consenti à reprendre des pourparlers avec Pavel et un règlement a été finalement atteint en 2003. Les honoraires de règlement exacts sont des comptes de presse secrets mais européens étroitement gardés a dit que Pavel a reçu un règlement liquide pour des dégâts plus de 10,000,000 de $ et reçoit maintenant aussi des droits d'auteur sur quelques ventes de Baladeur. Le règlement inclut aussi une clause qui empêchera Pavel d'apporter des costumes légaux futurs. [2]

Le règlement accorde l'identification à Pavel de Sony qu'il était l'inventeur original du Baladeur [2]; cela pourrait apparemment seulement être réalisé après la mort d'Akio Morita, le fondateur de Sony et le créateur précédemment reconnu du baladeur.

De toute façon, grâce à la publicité de Sony fort, le mot le Baladeur fait maintenant partie de la culture pop et son plus utilisé que le Baladeur générique ou Stereobelt inconnu relatif.

Baladeur de CD (Discman)

Le premier CD le Baladeur basé a été initialement lancé en 1984 - le D-50 (d-5 à quelques marchés). Il a été officiellement appelé le 'Discman' et ce nom ont depuis été utilisés d'une façon informelle pour se référer à de tels joueurs. Ces dernières années, Sony a laissé tomber le nom de Discman et commercialise tous ses baladeurs sous la marque de Baladeur.

Plus tard Discman des modèles montrés EN PARTICULIER (la Protection de Saut Électronique), qui pré lit la musique du CD dans la mémoire à bord et a formé un type d'amortisseur pour empêcher le CD sautant quand le joueur a été déplacé. La technologie était depuis 'la G-protection' rebaptisée et montre un plus grand secteur de mémoire, fournissant la protection complémentaire contre sautant.

Pendant des années, le Discman et le Baladeur MD étaient des succès dans le marché. Cependant, des technologies plus récentes, comme la mémoire de flash et des joueurs audio digitaux durement à base de commande ont causé le CD - et le Baladeur MD-based pour perdre la popularité.

Sony fait toujours le CD des Baladeurs - les modèles plus récents sont capables de jouer ATRAC3, ATRAC3plus et le CD MP3 et sont devenus progressivement plus minces et plus compacts avec chaque révision.

Baladeur de Minidisque

MD Baladeur

MD Baladeur

Initialement le Minidisque était comparable avec un CD miniaturisé, capable de stockage jusqu'à 74 minutes de près de la Qualité de CD audio sur un disque grossièrement le deux-tiers la taille d'un CD. Aujourd'hui les Minidisques peuvent tenir de la musique aussi bien que des fichiers de données, avec la capacité d'enregistrer et reproduire audio dans la Qualité de CD (sans ATRAC lossy la compression).

Les minidisques entrent dans une boîte en plastique protégeant la surface du disque de la poussière et des éraflures. Les baladeurs de Minidisque sont capables de jouer et enregistrer des Minidisques de sources digitales et analogues, comme vivant audio de leurs entrées de microphone. La première unité sur le marché, le MZ-1 était relativement grand et unpocketable, mais après le modèle, MZ-R2 et des Baladeurs MD suivants sont tout à fait compacts, avec des Baladeurs de Minidisque d'aujourd'hui non beaucoup plus grands que les disques eux-mêmes.

Des améliorations graduelles ont été faites aux Baladeurs de Minidisque pendant les années. Le complément de MDLP (le Minidisque LongPlay) le codec permis jusqu'à 4 fois la quantité de musique à être stockée sur un Minidisque, au sacrifice d'une certaine qualité du son. NetMD suivi. En 2004, a hé-MD été présenté, permettant des fichiers informatiques aussi bien que la Qualité de CD audio être enregistré sur les disques pour la première fois. Avant 2005, Sony avait détendu les restrictions dans son logiciel SonicStage pour permettre des transferts digitaux sans restriction à et de Hé-MD et l'ordinateur.

NetMD

Sony les possibilités de Minidisque étendu avec l'introduction de NetMD (NetworkMD). Ceux ont permis à l'utilisation d'un PC de convertir de la musique du CD ou MP3s dans le format d'ATRAC3 et utiliser un câble d'USB pour être transféré la musique au Minidisque à un taux beaucoup plus rapide qu'était possible en utilisant une ligne - dans le câble.

Le MZ-N10 a été sorti en 2002. C'était Sony ' le 10ème Anniversaire ' le produit, a sorti 10 ans après l'introduction du format de Minidisque en 1992. Le cas a été fait d'un alliage de magnésium et l'unité a montré une batterie d'ion de lithium incorporée qui a fourni 24 heures d'autonomie de la batterie. Le MZ-N10 a permis à la musique d'être transféré d'un PC à jusqu'à 64 fois la vitesse de lecture réelle, non compris le temps exigé pour le re-codage audio. C'était aussi le premier Baladeur MD pour à incorporer l'ATRAC DSP TAPE le codec S et est aujourd'hui (2006) l'enregistrement le plus léger MD le Baladeur jamais produit. Le 10ème seul de lecture Baladeur de Minidisque annuel accompagnant, le MZ-E10, a été sorti. C'est le Baladeur MD le plus léger jamais produit, pesant 55 g (incluant la batterie rechargeable incorporée) avec une épaisseur de 9.9 millimètres.

Hé-MD

En 2004, Sony a présenté Hé-MD le format. Hé-MD les Baladeurs utilisent 1 GB Hé-MD des disques dans le même facteur de forme que des Minidisques réguliers et permettent à 1 GB de fichiers et-ou audio d'être stocké par disque. Ils acceptent aussi des Minidisques réguliers, qui peuvent être initialisés dans Hé-MD le mode pour la capacité de 305 MO par disque (avec la capacité supplémentaire de stocker audio et des données, comme Hé-MD des disques).

Musique de chambre et Musique Orchestrale : Ce qui est ils et qui est meilleur ?

Pour dire que la musique a progressé dans le 21e siècle serait une sousestimation. Chaque aspect de vie moderne a été à fond pénétré par la musique, des consommateurs avides de musique qui sont assis saisissant leur iPods très dernier cri et très nouvel écoutant pour balancer, passer ou l'âme à ceux dont les goût dirigent des lignes plus classiques. Mais a demandé si nous préférons la Musique de chambre ou des pièces Orchestrales et les conversations viennent à un stand toujours. Le silence maladroit qui s'ensuit parle la question qui réside sur l'avis de l'everybody's : Quelle est la Musique de chambre et quelle est la musique d'orchestre ?

Pour commencer, la Musique de chambre est de la musique exécutée par un groupe de jusqu'à dix musiciens avec le nom impliquant qu'il est souvent joué dans une petite pièce. La plupart des compositions par des maîtres classiques comme Brahms et Mozart peuvent facilement être jouées par des Orchestres de chambre. En fait, de certaines pièces ont été écrites avec un numéro spécifique de joueurs en mémoire. Par exemple, le decet/dixtuor dans D, l'opus 14 par George Enescu a été écrit pour dix joueurs (des flûtes, le hautbois, le cor anglais, deux clarinettes, deux cornes et deux bassons). Cependant, depuis son apparition au 18ème siècle (la période Baroque), les instruments les plus communs dans un orchestre de chambre sont ceux du violon, l'alto, le violoncelle et le piano. En provenant des mêmes idéaux que celle qui a apporté sur la Révolution française, le numéro de joueurs se prête particulièrement bien dans l'expression d'émotions individuelles. De plus, la taille a l'avantage supplémentaire dans lequel il donne l'impression de plus de présentation intime.

D'autre part, la musique Orchestrale est ce jouée par un plus grand groupe de joueurs, souvent l'inclusion d'une corde, la basse, des bois et une section de percussion. De plus grands ensembles sont appelés “des orchestres philharmoniques” ou “des orchestres de symphonie” et des plus petits (40 joueurs) appelés "des orchestres de chambre". Le nom, comme celui de musique de chambre, provient de son emplacement qui est celui du secteur de l'étape traditionnellement occupée par le choeur grec. Produisant du 15ème siècle, la musique orchestrale s'est déplacé du fonctionnement d'opéra comme Wagner et des pièces plus traditionnelles par ceux comme Haydn, aux moyens plus contemporains. Comme la taille des augmentations d'orchestre (Betthoven préfère un complément standard de vents doubles et le laiton pour ses pièces écrites au 19ème siècle) et la technologie progresse, la musique orchestrale a filtré par sur le grand écran. La plupart des films de cinéma appellent maintenant à la musique de fond pour souligner les émotions étant dépeintes sur le celluloïd et ce grand nombre est maintenant devenu tant une partie de culture pop contemporaine comme les films eux-mêmes. Qui pourrait jamais oublier les sons plutôt intimidants “du mars Impérial” ou le thème de Darth Vader “des Guerres d'Étoile” la trilogie ? Composé par John Williams en 1977, peu sauraient qu'en fait, la musique de William est en grande partie basée sur Wagner et la Tasse d'argile. D'autre grand nombre orchestral célèbre est les chansons “de seigneur des Anneaux” (Howard Shore et exécuté par l'Orchestre de Philharmonie de la Nouvelle-Zélande).

Finalement, pour comparer la Musique de chambre à la musique Orchestrale serait non seulement dur, mais plutôt faux. Des pièces musicales sont plutôt diverses et limiter son avis aux déclarations comme “la musique de chambre est meilleur …” devrait laisser échapper le fait que de certaines compositions peuvent prêter lui-même mieux quand joué dans un arrangement intime tandis que d'autres pièces ont été composées spécifiquement avec un plein orchestre en mémoire. Dans la fin, quelles questions le plus sont que le vrai but de musique est accompli : créer de la musique comme une expression d'une émotion, une idée qui surpasse le besoin de mots ou l'interprétation physique.

À la différence de NetMD, Hé-MD les Baladeurs permettent des transferts digitaux bilatéraux à et de PC pratiquement sans restriction. Hé-MD permet aussi à l'option d'enregistrer et transférer audio dans PCM linéaire sans perte sur des Minidisques standard et Hé-MD des disques. Cela offre la qualité du son égale au CD (par opposition à lossy ATRAC des codec utilisés à la norme MiniDisc/NetMD).

Hé-MD les Baladeurs ont présenté de 2005 en avant permettent la lecture directe de MP3S sans le besoin à transcode le MP3S au format d'ATRAC. Cependant, SonicStage est exigé pour le transfert et le chiffrage sur le disque lui-même. Jouable audio ne peut pas être transféré aux dispositifs sans SonicStage.

Baladeur de Réseau

Sony NW-HD5

Initialement le Baladeur 'de Réseau' était une série des joueurs de musique digitaux qui ont utilisé la mémoire de flash pour tenir leurs données. Les joueurs ont utilisé le format d'ATRAC de marque déposée de Sony et étaient disponibles dans un certain nombre de capacités, jusqu'à 1 GB. Le premier de ces baladeurs était le NW MS70D qui avait une capacité de 256 MO. Au moment de sa sortie (2003) il a été vanté comme le joueur MP3 le plus petit sur le marché. Après le succès à tout casser du disque dur d'Apple Computer iPod basé, Sony a perdu beaucoup de marché audio digital portatif à l'iPod et aux dispositifs semblables d'autres sociétés.

La première tentative de Sony à l'égalité du succès de l'iPod's était le NW-HD1, qui était plus petit et a été fait de la publicité comme l'ayant mieux sonne la qualité que l'iPod à l'époque. Cependant, l'unité jouerait seulement le format de marque déposée de Sony, ATRAC3 - tandis que d'autres joueurs sur le marché joueraient beaucoup plus a largement utilisé le format de MP3 sans devoir être converti en ATRAC3. Le logiciel de conversion de PC, SonicStage, était aussi la voiture d'enfant et le système de commande du joueur n'était pas aussi facile à utiliser qu'il pourrait avoir été. Le NW-HD1 n'a pas vendu aussi bien que Sony avait espéré. Ses successeurs, le NW-HD3 et NW-HD5 ont aussi échoué à faire une bosselure principale dans les ventes de l'iPod's.

NW-MS70D

Le NW-MS70D a été sorti vers la fin de 2003 comme Sony premier attaqué l'industrie de joueur MP3. Ils l'avaient malheureusement sorti en même temps comme la Pomme a sorti l'iPod. NW-MS70D avait 256 MO de mémoire de flash incorporée. Il pourrait aussi être étendu de son port de Duo de Bâton de Mémoire. Mais à l'époque le Bâton de Mémoire Pro le Duo n'avait pas été sorti encore. Donc donc le NW-MS70D pourrait seulement rapporter 384 MO à un moment donné. L'autre dessous à cela était que c'était incroyablement cher, de valeur autant que 15 GB iPod. Il a aussi utilisé très le logiciel contenant des erreurs, Sonicstage et a seulement joué Atrac3, Atrac3plus et des fichiers WAV. Cependant, c'était le joueur audio digital le plus petit à ce moment-là. Il a été aussi solidement construit avec une coquille d'alliage de magnésium. Il s'est vanté une autonomie de la batterie de 44 heure. Malgré une lourde campagne de marketing, ses ventes ont été limitées.

NW-MS90D

Le modèle de remplacement, le NW-MS90D était une autre alternative à son frère plus vieux. Mais toujours utilisé le même logiciel, a rapporté un maximum de 640 MO à un moment donné et était extrêmement cher. Le changement le plus éminent était 512 MO inbuilt la mémoire et sa nouvelle coquille noire. Mais en raison de sa capacité des prix et limitée, il était toujours rejeté par le grand public.

NW-HD3

Le successeur de NW-HD1 à base de disque dur, le NW-HD3 était une conception très semblable - cependant, malgré le fait que l'unité jouerait MP3s natalement, le logiciel de PC était toujours la voiture d'enfant et l'unité a été donc également mal reçue.

NW-HD5

Le modèle suivant de Sony, le NW-HD5, était une conception mise à jour du HD1 / HD3 et vanté un système de commande plus simple, une batterie d'ion de lithium amovible d'utilisateur, la meilleure compatibilité de format de fichier, un unique "Suit l'Exposition de Tournure" qui s'alignerait automatiquement basé comment le joueur a été tenu sur le démarrage et le logiciel mis à jour. Une fonction principale était sa durée faite de la publicité de 40 heures, en utilisant des fixations de format de qualité basse, c'est-à-dire, 48 kbit/s ATRAC3 des fichiers et aucune majoration audio à base de joueur (bien que le joueur inclue vraiment ceux-ci). La lecture de 128 kbit/s mp3s a été évaluée à 30 heures. Le joueur était disponible dans noir, d'argent et rouge et n'a pas été vendu au marché canadien.

Malheureusement, le NW-HD5 a été expédié avec un défaut de conception cosmétique qui a signifié que les boutons ont développé des petites fentes visibles sous leur couche en plastique. Bien que cela n'ait pas affecté de fonctionnalité, beaucoup de clients se sont plaints. Sony le Royaume-Uni A limité des propriétaires permis pour envoyer les unités en arrière pour être réparé avec des boutons légèrement plus levés, non-formidables. Peut-être à cause de ce problème, le NW-HD5 était sur le marché pour un temps très court avant le tirage dans la préparation pour le modèle suivant.

En janvier 2006, le NW-HD5 est devenu indisponible comme un achat normal de magasins d'électronique au détail et a été relégué aux sites de vente aux enchères en ligne et des entrepôts d'utiliser-électronique comme un article grand public. Finalement toute la ligne de Baladeur de Réseau serait cessée pour la nouvelle solution de Sony.

Un certain nombre de nouvelle mémoire de flash des joueurs basés a été récemment faite disponible, y compris le Coeur de Baladeur, le Baladeur Environ et le Haricot de Baladeur. Toutes ces lignes ont des écrans d'OLED aussi bien que des longues vies de batterie (70 heures à une norme AAA la batterie pour Environ).

HDD NW-A Baladeur de Série

Sony NW-A1000 6GB MP3 Joueur

La série NW-A le Baladeur est un joueur de musique digital disponible dans 6 (NW-A1000), 8 (NW-A1200) et 20 gigaoctets (NW-A3000) des versions et montre un écran d'EL-technologie. L'autonomie de la batterie peut atteindre 20 et 35 heures respectivement. Le joueur soutient ATRAC3, MP3, WMA et de la version 3.00 de microprogramme il soutient aussi AAC. [6]

La façon primaire de mettre la musique sur ce dispositif est d'utiliser le logiciel de Sony : SonicStage et Joignent le Joueur (maintenant retiré en raison de trop de problèmes). Le logiciel travaille seulement sur Microsoft Windows. D'autres plates-formes communes comme le Mac OS et Linux ne sont pas soutenues. SonicStage a reçu beaucoup de critique. Il est seulement possible de déplacer des traces du joueur de musique au disque dur de PC et ainsi d'un joueur de musique à un autre, si chaque dispositif/ordinateur est "autorisé" au compte de l'utilisateur avec le Magasin se Joignant pour leur pays. Les utilisateurs des pays qui n'ont pas le service de Magasin se Joignant sont actuellement limités à un dispositif/ordinateur.

Il y a un certain nombre de fonctions pour choisir de la musique selon une variété de critères. "La liaison d'Artiste" la fonction incite le Baladeur à fouiller, trouver et montrer des artistes semblables dans ce genre. Il y a deux nouveau brouillent des modes. En choisissant "Mon Favori Brouillent", le dispositif choisit automatiquement les 100 chansons les plus écoutées et les joue au hasard. "La Machine à remonter le temps Brouille" la fonction choisit aléatoirement une année et joue toutes les chansons de cette année particulière actuellement tenue sur le dispositif. Une mise à jour récente de microprogramme (V3.00) a ajouté que "la Liaison d'Artiste Brouille" la fonction à la liste d'Intelligent Brouillent des modes, avec une horloge et un calendrier.

Dernier Baladeur

NW S700 série avec technologie d'Annulation Sonore

Sony "NW-S700" la série est le Baladeur de Réseau à base de flash avec la technologie de contrôle sonore Active incorporée. Il bloque le bruit environnant avec l'intégration mic dans son Ex-casque-à-écouteurs. Ce joueur est un de seulement quelques autres DAPs qui ont une fonction d'annulation sonore à cette taille. Le casque à écouteurs a une conception de marque déposée spécifiquement faite pour ce joueur, le faisant ainsi impossible au module d'extension à d'autre DAPs, même ceux qui viennent de Sony. Ce Baladeur a petit OLED examinent l'art d'album d'affichage capable et une certaine information de texte sur la chanson et les fonctions de joueur. Le S700 entre dans 1 GB (NW-S703), 2 GB (NW-S705) et 4 GB (NW-S706) des capacités; quelques pays vendent 2 GB et 1 modèles GB seulement. Les modèles Choisis sont aussi équipés d'un Stéréo du Tuner.

Sony NW-A800 la série est un joueur de Baladeur de Réseau permis de vidéo [1]. C'est disponible dans 2 GB, 4 GB et 8 capacités GB. L'interface est semblable à celui d'un téléphone portable. L'écran est 2.0 pouces QVGA (240x320) colorent à cristaux liquides et peut être utilisé horizontalement ou verticalement. L'Ion de lithium la batterie rechargeable peut durer jusqu'à 30 heures de la musique et 8 heures du vidéo.

Le NW-A800 a été sorti dans l'UE, l'Asie, la Nouvelle-Zélande et l'Amérique du Nord. À partir du 19 mai 2007, Sony le Canada [2] a sorti le 8GB et 4GB des modèles. Le 2GB le modèle a été sorti le 13 juin 2007. L'évaluation de ces joueurs mp3 est comme suit : 299.99, 229.99 et 169.99 CAO pour le 8GB, 4GB et 2GB respectivement. Aux Etats-Unis, Sony a sorti le dispositif portatif le 31 août 2007. La société vend le 8GB le modèle pour 229.95 $, le 4GB le modèle pour 179.95 $ et le 2GB le modèle pour 139.95 $.

L'Asie, la Nouvelle-Zélande et le Canada ont aussi le Baladeur NW-E010 : petit USB projette le joueur. En pesant seulement 23 g, le NW-E010 sont disponibles dans des capacités de 1 à 4 GB et entrent dans cinq couleurs : rose, violet, sarcelle, noire et or. Ses fonctions incluent une batterie d'ion de lithium rechargeable, incorporée du tuner, une couleur en trois lignes OLED l'exposition, la calandre et la fonction de temps et Purifient des technologies de Basse Stéréo et Claires pour augmenter la qualité audio. Il soutient aussi tous les codec non-DRM principaux comme WMA, AAC, ATRAC et MP3. Sony fait de la publicité pour cela le NW-E010 peut être chargé pendant trois minutes et fera fonctionner pendant trois heures [3]. Des accessoires disponibles incluent des cordons, des brassards, un adaptateur A/C, des cas métalliques et des cas de silicone. Une date de sortie et etablissant le prix pour le NW-E010 en Europe et les Etats-Unis est aussi inconnue.

À la fin d'août 2007, Sony a sorti un email aux clients de son Magasin de Musique En ligne (Unissent) qui a déclaré que Sony fermera le service et commencera à éliminer progressivement le codec ATRAC sur n'importe quelle interprétation future du dispositif d'ordinateur portatif de Baladeur [4]. L'email a déclaré que Sony adoptera maintenant un format de Médias de Fenêtres; ce plan a été évalué pour être achevé avant mars 2008. Ce mouvement effectuera des clients et leurs Baladeurs dans les régions Nord-américaines et européennes. Cette transition loin du codec ATRAC doit permettre à la ligne de Baladeur d'être adoptée par plus de clients potentiels et leurs préférences spécifiques et uniques sur des services de musique en ligne.

En octobre 2007 Sony le Japon a annoncé le NW-A919 un 16gb le baladeur vidéo avec un digital '1seg' le tuner de TV. Le joueur a un écran de contact, des mesures 47.2mm × 86.0mm × 12.3mm et sera disponible dans noir ou d'argent. Il sera sorti au Japon en novembre 2007. [5]

Téléphones de Baladeur de Sony Ericsson

Après la perte d'une grande partie du marché à d'autres sociétés, la dernière tentative de Sony de ranimer la marque de Baladeur implique une série de téléphones portables concentrés de musique commercialisés sous Sony Ericsson la marque.

Contrairement à la plupart de ligne de Baladeur, Sony Ericsson des Téléphones de Baladeur ne soutient pas et ne peut pas de là jouer, le format audio de marque déposée de Sony, ATRAC (avec toutes ses variantes). Les téléphones de baladeur soutiennent vraiment AAC aussi bien que MP3.

Le W800 et W550/W600 ont des nombreuses capacités audio incluant playlists, equalisation audio, l'appui pour le format de fichier audio M4A et la capacité de fonctionner seulement comme le joueur de musique, avec l'électronique de téléphonie éteinte. Il inclut aussi des fonctions de téléphone portable standard, comme une 2 caméra d'auto-centre de mégapixel. Le W550/W600 aura 256 MO de mémoire interne, tandis que le W800 inclut un Bâton de Mémoire de 512 MO.

Le W810 est un téléphone de bande Quadruple PERMIS DE BORD lancé en réponse à la demande d'un Téléphone de Baladeur coloré noir. En dehors des changements mineurs du logiciel et du matériel, la plupart des fonctions sont semblables à ceux du W800.

Sony Ericsson a aussi lancé le W900 (a considéré le successeur de S700) qu'en plus de l'audio et les capacités de caméra de W800, montre aussi 3G l'appel de vidéo et le coulant, le meilleur enregistrement en vidéo (30 encadrements par seconde), une plus grande exposition et 470 MO de mémoire interne qui peut être étendue jusqu'à 2 GB. La musique peut être importée d'une variété de sources, via le fournisseur de service sans fil ou d'un ordinateur individuel.

Sony Ericsson le président à qui le Silex de Milles, revendiquant avoir vendu plus de trois millions de Baladeur téléphone, a présenté leur sixième Baladeur le téléphone de marque, le W950, au 3GSM le Congrès en 2006. Le W950i est un dispositif mince avec 4 mémoire de flash interne GB, y compris un écran de contact pour la navigation par des genres de musique, playlists, des chansons individuelles ou des albums de musique. C'est aussi premier Symbian OS-based le téléphone de Baladeur à être présenté.

En 2006, Sony Ericsson annoncé encore un autre téléphone de Baladeur, le W300. C'est le premier téléphone de Baladeur dans la série dans un "donnent un petit coup au téléphone" le facteur de forme. Le W300 est aussi le premier Téléphone de Baladeur pour à soutenir le Bâton de Mémoire Micro et montre une caméra VGA. Ils ont aussi lancé leur 8ème téléphone de Baladeur, le W700. C'est essentiellement une version en bas déshabillée du W800 avec une couleur de cas différente et inclut un Bâton de Mémoire de 256 MO. L'autre changement principal est l'absence d'Auto-centre dans la caméra à bord.

Le 18 mai 2006, a vu que l'introduction d'encore deux Baladeur téléphone, un deuxième modèle de coquille, W710 et premier slider, W850i.

En février le W880 a été annoncé et sorti. Il montre une conception qui est seulement 9.4 millimètres d'épaisseur et un plein plat de visage de métal. Étant un des téléphones les plus petits sur le marché, cela a prouvé très populaire auprès le marché.

La popularité de téléphones de Marque de baladeur peut être une indication que les marchés téléphoniques audio et mobiles portatifs commencent à converger. Les téléphones de baladeur sont équipés de demandes comme la Trace ID ™, PlayNow ™ et le M le Bourdonnement ™ et à partir de juin 2007 Sony Ericsson revendique avoir vendu plus de 26.5 millions de téléphones de Baladeur depuis le lancement en septembre 2005. On voit que Sony Ericsson a eu la plupart de succès avec la musique convergeante et des téléphones portables, a en grande partie attribué à l'héritage de Baladeur et l'expertise de Sony.

Une chanson est une composition musicale relativement courte. Les chansons contiennent les parties vocales qui sont exécutées avec la voix humaine et généralement montrent des mots (le lyrique), généralement accompagné par d'autres instruments de musique (des exceptions serait un cappella et des chansons scat). Les mots de chansons sont typiquement d'une nature poétique, rimante, bien qu'ils puissent être des vers religieux ou libérer la prose.

Les chansons sont typiquement pour un chanteur de solo, quoiqu'il puisse aussi y avoir un duo, le trio, ou plus de voix (des travaux avec plus que l'on considère une voix à une partie, cependant, choral). Les chansons peuvent être largement divisées dans beaucoup de formes différentes, selon les critères utilisés. Une division est entre "des chansons d'art", "des chansons de musique populaires" et "des chansons folkloriques". D'autres méthodes communes de classification sont par le but (sacrées contre laïc), par le style (la danse, la ballade, Lieder, etc), ou au temps d'origine (la Renaissance, le Contemporain, etc).

Familièrement, la chanson est souvent utilisée pour attribuer à n'importe quelle composition de musique, même ceux sans chants (quoique dans les styles de musique qui sont principalement à base de chant, une composition sans chants est souvent appelée une instrumentale). Dans la musique classique européenne, cependant, on considère cette utilisation incorrecte et "la chanson" devrait seulement être utilisée pour décrire une composition pour les chants humains.

Types Culturels

Chansons D'art

Des chansons d'art sont des chansons créées pour l'exécution dans leur droit propre, ou pour les buts d'une classe supérieure européenne, d'habitude avec l'accompagnement de piano, bien qu'ils puissent aussi avoir d'autres types d'accompagnement comme un orchestre ou un quatuor d'instruments à cordes et soient toujours notés. Généralement ils ont un auteur (s) identifié et exigent des cours de diction pour le fonctionnement acceptable. Les communautés de langue allemande pour attribuer à la chanson sérieuse d'art, tandis que dans des communautés de langue allemande le mot "Kunstlied" (pluriel : " Kunstlieder ") est utilisé pour distinguer la chanson d'art de la chanson folklorique (" Volkslied "). Le lyrique est souvent écrit par un poète lyrique et la musique séparément par un compositeur. Des chansons d'art peuvent être plus formellement compliquées que populaire ou des chansons folkloriques, quoique plusieurs tôt Lieder par les goûts de Franz Schubert soient en forme de strophic simple. Ils sont souvent importants pour l'identité nationale. Des chansons d'art montrent dans beaucoup de cultures européennes, y compris, mais non limité : le russe (romansy), le hollandais (a été couché), l'italien (canzoni), le français (mélodies), le Scandinave (s å Nger), l'espagnol (canciones). Sont là aussi fortement considéré des chansons britanniques et américaines d'art dans la langue anglaise. Les cultures à l'extérieur de l'Europe peuvent avoir ce qu'ils considèrent pour être une tradition de musique classique, comme l'Inde et montrer ainsi des chansons d'art.

De l'ère de musique romantique, on considère la chanson d'art une des formes de musique les plus distinctives développées. On considère l'accompagnement des pièces de cette période comme une partie importante de la composition. La chanson d'art de cette période est souvent un duo dans lequel le chanteur et l'accompagnateur partagent dans l'importance interprétative. Les pièces étaient plus souvent écrites pour être exécuté dans un arrangement domestique bien qu'aujourd'hui les travaux aiment la popularité comme des pièces de concert. L'apparition de poésie pendant cette ère était beaucoup de ce qu'a inspiré la création de ces pièces par Brahms, Schumann, Schubert et d'autres compositeurs de période. Ces compositeurs mettent des poésies dans leur langue maternelle. Beaucoup de travaux ont été inspirés par Johann Wolfgang von Goethe et Heinrich Heine. Une autre méthode devrait écrire la nouvelle musique pour chaque strophe pour créer une forme unique, c'était par - la forme composée connue en allemand comme durchkomponiert. Une combinaison des deux de ces techniques dans un arrangement simple a été appelée une forme de strophic modifiée. Des chansons Souvent romantiques d'art partageant des éléments semblables ont été groupées comme un cycle de chanson. (Kamien, 217-18)

Chansons folkloriques

Les chansons folkloriques sont les chansons d'origine souvent anonyme (ou sont le domaine public) qui est transmis oralement. Ils sont fréquemment un aspect principal d'identité nationale ou culturelle. Des chansons d'art s'approchent souvent du statut de chansons folkloriques quand les gens oublient qui l'auteur était. Les chansons folkloriques sont aussi fréquemment transmises non-oralement (c'est-à-dire comme des partitions), particulièrement dans l'ère moderne. Les chansons folkloriques existent dans presque chaque, si pas tout, la culture (s). Pour plus sur des chansons folkloriques, voir la Musique folklorique.

Chansons Populaires

Des chansons populaires ou "le phonographe enregistrent et la radio, quoique tous les autres mass-médias qui font impliquer la capacité audio soient. La popularité de chansons populaires est déduite des ventes commercialement significatives d'enregistrements, les évaluations de stations et les réseaux qui jouent des chansons populaires et des ventes de billet pour des concerts par les artistes d'enregistrement. Une chanson populaire devient une chanson folklorique moderne quand les membres du public qui apprennent à le chanter de la version enregistrée apprennent leur version à d'autres. Des chansons populaires peuvent être appelées des chansons pop pour court, bien que l'on puisse au lieu de cela considérer des chansons pop ou la musique pop un genre plus commercialement populaire de musique populaire dans l'ensemble.

Composants de Chanson

Une chanson est words+music et pour une chanson pour être couronné de succès il doit avoir le grand lyrique et la grande musique.

Un grand lyrique est simplement un mélange de mots faciles, agréables tournants autour d'un sujet intéressant. La bonne chose est ce lyrique ne doivent aller selon aucunes règles; c'est simplement une question de pratique... Peut y avoir-il est quelques "règles" rimantes mais ceux-là peuvent être à peine appelés des règles, nous les discuterons plus tard.

Quant à la grande musique, vous ne devez pas créer un chef-d'oeuvre compliqué ..!! En réalité, grande musique dans ces moyens de contexte mélodie simple, "entraînante" et modèles de corde bien structurés. Nous nous occuperons de musique plus tard.

Bien. Maintenant nous avons obtenu de la musique et le lyrique mais cela ne signifie rien si une mélodie entraînante et un certain nombre de mots agréables ont été juste dispersés partout votre chanson... La musique et le Lyrique doivent être mis dans une Structure de Chanson concrète...

Structure de Chanson

Une chanson a d'habitude trois mélodies courtes, dont deux sont répétées à maintes reprises....

Choeur : le choeur est une combinaison de musique lyrique qui est répétée avec peu ou pas de changement partout dans la chanson. D'habitude, le lyrique de choeur inclut le titre de chanson et donne une idée générale à l'auditeur du sujet de chanson. La musique de choeur inclut la mélodie la plus entraînante dans la chanson... Le choeur est généralement la partie que votre auditeur se rappellera de votre chanson.

Vers : le vers a la deuxième mélodie de la chanson, cette mélodie change à peine partout dans la chanson. Quels changements sont en réalité le lyrique de vers; comme les vers donnent d'habitude des renseignements du sujet de chanson. Remarquez que peu importe comment le lyrique change ils tous doivent adapter la même mélodie, sans devoir sembler "artificiels"... C'est en réalité un grand défi;).

Pont : la troisième mélodie et celui qui est - dans la plupart des structures de chanson - l'apparition seulement une fois. Il est meilleur si l'auditeur obtient une surprise "minuscule" dans le pont; cela peut être un changement de la structure de corde accompagnée par un changement lisse à une autre échelle ... etc. Cependant, la mélodie de pont toujours fins en changeant en arrière à l'humeur originale et répétant le choeur encore une fois. Quant au lyrique du pont ils représentent d'habitude une conclusion ou un flash en arrière à la chanson entière, cela ajoute à la surprise. Parfois, - particulièrement dans rock le pont est juste un solo sans lyrique.

Mais comment ces trois parties sont-elles arrangées dans la chanson ? Bien, vous avez obtenu le Choeur, le vers et le pont ... oui, les arranger de n'importe quelle façon que vous voulez, mais ne devenez pas trop malpropres ou votre auditeur se perdra. Pour faire il plus facile, des auteurs-compositeurs a inventé ceux ont été d'accord - sur la chanson structure la plupart des chansons suivent ces trois structures :

Vers / choeur / vers / choeur / vers ... etc.

Le vers / le choeur / le vers / le choeur / rapproche / (le vers) / le choeur

Le vers / le vers / rapproche / le vers

Maintenant, du vers / le vers / rapproche / le vers... Cette structure prend une mélodie rusée pour le vers; cela doit être entraînant et plus long que les vers habituels. De plus, vous avez à l'épice cela en haut chaque fois vous le répétez avec une nouvelle chose (comme un nouvel instrument à l'arrière-plan, ou une arrière ligne de chants ... etc). Je personnellement comme cette structure parce que je me sens cela donne une certaine liberté avec le lyrique, les deux autres structures ne donnent pas. En plus, cette structure donne la pièce pour intros musical et outros, pour ne pas mentionner l'occasion d'ajouter quelques "pauses" musicales (entre les vers) sans devoir s'inquiéter de la fabrication de la chanson trop longtemps.

Quel Est Lyrique ?

Tout d'abord, le lyrique n'est pas la poésie. La poésie a tas "des règles de mot", c'est simplement un jeu de langue qui n'a aucun rapport avec la musique. Le lyrique, d'autre part, a tout pour faire avec la musique et c'est plus important pour le bon lyrique pour adapter la musique gentiment et proprement qu'avoir des métaphores étonnantes ou des combinaisons de mot fascinantes. Cependant, il est extrêmement important que votre lyrique pour être d'un sujet intéressant...

Sujet de Lyrique

Si vous avez un sujet intéressant, donc vous avez fait presque la moitié du travail... Vous avez maintenant quelque chose pour écrire de, beaucoup d'entre ceux qui sentent la forte envie d'écrire le lyrique, ne connaissez pas juste que parler de ..!!

Bien, j'aime commencer par le brainstorming ... regardent juste autour de soi vous, que voyez-vous ? Un ordinateur, un écran, bureau, les gens ... etc. Prenez un de ces mots, je prendrai "l'ordinateur", En ce qui concerne "l'ordinateur" ?! Rétrécissez-le.... Il y a des processeurs, des claviers, l'Internet, des programmeurs ... etc. J'ai choisi "l'Internet", ai besoin de plus de rétrécissement... Il y a des sites Web, des pièces de bavardage ... etc. Bien, Cela prend trop longtemps et il devrait; le choix du sujet consiste en ce de quoi il est tout. Juste pour cet article, j'ai rétréci "aux gens Solitaires dans des pièces de bavardage" .... le sujet de lyrique triste : (, entrez à cette humeur, donc vous seriez capables d'en écrire ..!!

À propos, écrivez-en comme si c'est l'expérience personnelle ... au lieu de penser "aux gens solitaires", pensent "je suis un type solitaire dans une pièce de bavardage"... Cela établit le sens de la crédibilité, qui se termine à son tour comme une grande liaison émotionnelle avec votre auditeur.

Titre de Lyrique

Dans le monde d'aujourd'hui, beaucoup de personnes se tournent à l'Internet pour trouver l'information sur n'importe quel sujet auquel on peut penser. Un sujet qui augmente dans la popularité cherche le plein lyrique de musique à tout et n'importe quels genres de chansons. C'est assez simple d'accomplir avec une recherche simple dans Google, mais quelques personnes inquiètent que dans le très proche avenir, cela puisse ou ne pouvoir pas changer.

Yahoo a récemment annoncé une nouvelle fonction qui permettrait aux utilisateurs de fouiller dans le lyrique de musique de leur site. Yahoo a obtenu la licenciation pour les tonnes d'artistes de beaucoup d'étiquettes record différentes. En échange de l'utilisation permise du lyrique de musique, Yahoo fournit une partie de tout le revenu publicitaire gagné du site aux artistes et aux étiquettes record.

Quelques propriétaires d'autres sites Web de lyrique de musique sont inquiété que le nouveau système d'Yahoo emporte une grande partie du trafic de leur site. Un site Web avec lequel je suis entré en contact même suggéré qu'ils devraient prendre une approche complémentaire, comme l'offre d'un nouveau système de lyrique à base de portable pour des utilisateurs de téléphone cellulaire, en réponse à la perte de revenu publicitaire en raison du nouveau système de lyrique de musique d'Yahoo. De plus, quelques sites Web de lyrique sont rejetés de poster le lyrique à de certains artistes ou des bandes en raison des questions de droit d'auteur. Le système d'Yahoo est une tentative de contourner ce problème et le lyrique de musique d'offres à n'importe quelle chanson l'utilisateur voudrait chercher.

Tandis que l'approche d'Yahoo est une solution élégante, il y a toujours deux ou trois inconvénients à leur système de lyrique de musique. La partie de l'affaire convenue par Yahoo et des étiquettes record diverses inclut l'exigence pour tout le lyrique pour être dans le format d'images contre le texte pur. Cela doit principalement empêcher des utilisateurs de copier et coller le texte de lyrique et empêcher des robots en ligne de ramper leur page Web avec l'intention unique de voler le texte du lyrique. Cela a aussi un inconvénient, comme mentionné ci-dessus. Puisque le lyrique est dans le format d'images, les moteurs de recherche ne seront pas capables de voir le texte dans le lyrique et des recherches où les utilisateurs entrent un vers de leur chanson préférée ne rendra pas de résultat du système d'Yahoo.

La recherche de lyrique de musique d'Yahoo souffre aussi du fait que l'utilisateur d'Internet "typique" n'en sait pas juste. Avec Google étant le roi actuel de moteurs de recherche, une bonne partie d'utilisateurs d'Internet n'a aucune idée qu'Yahoo offre à un tel système. Ces utilisateurs continueront à chercher le lyrique de musique comme ils ont toujours dans le passé, par une recherche de Google typique. Cela, couplé avec le fait que 90 % de trafic de moteur de recherche viennent de Google, signifiera que bien que le système d'Yahoo soit une approche agréable, beaucoup de sites Web de lyrique de musique en ligne ne seront pas aussi lourdement frappés comme certains ont une fois pensé après l'annonce d'Yahoo. Une chose est à coup sûr : à moins qu'Yahoo ne reprenne comme le roi de moteurs de recherche, la plupart des utilisateurs continueront à trouver le lyrique de musique en ligne de la même façon qu'ils ont utilisée dans le passé, par Google.

Maintenant que vous avez un sujet, vous devriez commencer à travailler en ayant d'un titre pour votre lyrique. Le titre devrait donner ceux qui lisent "un peu de choc; cela doit être quelque chose de FAMILIER, mais que personne n'est utilisé à l'audition de SEUL, ou dans une COMBINAISON avec d'autres mots. Les exemples sont "la Sympathie au Diable" (des Rolling Stones) et "le Scientifique" (Coldplay); "la sympathie" et "le diable" sont deux mots que chacun utilise mais personne ne les avait réunis auparavant, c'est une combinaison mystérieuse. "Le scientifique" est un mot très commun, mais personne ne s'est juste approché de vous et a dit : "le Scientifique"!! Vous n'êtes pas utilisés à l'audition de cela tout seul.

Maintenant en arrière "aux gens Solitaires dans pièces de bavardage". On peut utiliser "solitaire" mais cela a été milliard d'utilisé temps auparavant, en réalité l'idée entière "des gens solitaires" est sur-consommée!! La nouvelle chose est "des pièces de bavardage" et le titre devrait s'y référer. Je devine "solitaire dans une pièce de bavardage" est bien. NON ?!! Ouais, cela semble trop idiot, parce que j'ai inclus ... "solitaire" le mot sur-consommé. "Le bavardage avec moi" .... est mieux juste "le Bavardage" ..!! (Seulement mon avis, mais plus court mieux)

Le Lyrique Eux-mêmes

Maintenant vous êtes venus au point où je ne peux pas donner ou peu de conseil. Rendez votre lyrique aussi simple que possible, aucun grand mot ou l'attitude shakespearienne, aucune métaphore "difficile de comprendre", non même beaucoup de métaphores compréhensibles... La chose est ce lyrique sont seulement la partie de la chanson et si vous faites le lyrique exiger que le travail comprenne, il n'y aurait pas beaucoup d'énergie laissée avec l'auditeur pour comprendre la musique...

La chose la plus importante est que vous ne vous répétez pas et - au même temps - ne partent pas le sujet... Par exemple, n'écrivez "Personne pour parler à, Personne pour m'entendre" ... ce n'est la répétition. Et si vous voulez écrire "d'autres gens qui bavardent avec les gens solitaires", sauve il à une autre chanson; c'est du sujet ... le séjour spécifique et en même temps intéressant autant que vous pouvez.

Cependant, là peu d'autres directives générales (pas des règles) que la plupart des chansons suivent...

1-Incluent le titre dans le choeur.

2-s'Assurent que le choeur est une explication générale du sujet

3-les vers sont l'explication détaillée du choeur.... MAIS AUCUNE RÉPÉTITION

4-ne répètent pas le même mot plus de deux fois (ou trois maximum) dans un vers ou un choeur (le choeur lui-même n'y sont répétées, mais aucune répétition permise)

5-si cela arrive que la musique ne va pas le lyrique proprement, change le lyrique pas la musique.

Maintenant, nous continuerons très peu "le Lyrique des Règles Rimantes"...

Pourquoi Rime ?

Le lyrique que la rime est la plus mémorable et le plus facile pour aller dans un véhicule de musique gentiment. Mais, faites attention!! Trop de sons Rimants STUPIDES et gardent à l'esprit que la rime devrait venir la seconde à la signification... Ne sacrifiez jamais l'idée pour un mot rimant et ne réunissez jamais la substance juste parce qu'ils la rime...

Arrangement de Rime

La chose de structure de chanson dont nous avons parlé est plus tôt plus de la musique que le lyrique. Le lyrique, au lieu de cela, est organisé selon l'arrangement de rime.

L'arrangement de rime est le modèle par lequel une certaine rime est répétée... Il y a plusieurs arrangements de rime conventionnels :

1-A-B-A-B

Les premières rimes de ligne avec le tiers, tandis que les deuxièmes rimes avec le quatrième.

2-"un un un un"

Le même son rimant partout dans.

3-A-A-B-B

Les premières rimes de ligne avec le deuxième, tandis que les troisièmes rimes avec le quatrième.

Bien sûr, on peut inventer un numéro infini d'arrangements de rime différents...

Types de Rime

Je n'entrerai pas dans la terminologie inutile mystérieuse. Au lieu de cela, je les nommerai Type1, Type2 ... etc et donnerai des exemples :

Type1. Les sons de fin et sont écrits la même voie.

EX. J'ai vu mon chat

C'était trop gras

Type2. La fin sonne le même, mais est écrite différemment

EX. Elle a dit qu'il n'y a rien plus pour savoir

Quand j'ai demandé si elle était honnête, la réponse n'était pas

Type3. Les mots à la fin se sonnent et sont écrits différemment. Ils, cependant, partagent la même voyelle quelque part...

EX. Si vous passez jamais à la maison

Je vous rencontrerai par le parc est dans le café

Type4. Les fins ne sonnent pas le même. Au lieu de cela, il y a un certain type "du rythme de mot". C'est le type le plus intelligent et le plus dur pour écrire aussi.

EX.We a obtenu Mercedes, nous avons obtenu Porsche

Ferrari et des Rouleaux Royse (de Roger Waters "c'est un Miracle")

Type5. La fin est la même, le commencement est le même. Le milieu est différent.

EX. Je parlerai de VOUS

Je chanterai de VOUS

Coz, je ne peux pas vivre sans VOUS

Rimant Votre Lyrique

Écrire le bon lyrique que la rime pourrait vivement sembler facile, mais croyez-m'en : ce n'est pas une promenade dans le parc!!

Vous devez être riches en votre vocabulaire; afin de trouver les mots qui livrent la signification et préservent la rime. Mais aucun corps n'est que bon avec la langue (à l'exception de William Wordsworth), nous avons tous besoin de l'aide avec des synonymes et des mots rimants. J'ai plusieurs suggestions d'aide :

1-dictionnaire de Thesaurus de n'importe quel magasin de livre

2-dictionnaire de Thesaurus En ligne (bien que je n'aime pas ceux-là)

3-Logiciel de Poète lyrique (Cela a beaucoup d'autres fonctions qui rendent votre écriture alot plus facile)

Maintenant que je vous ai "obtenus commencé" avec un propre intéressant lyrique, nous déplaçons sur à la musique...

Création contre. Songwriting

Il y a une différence entre Beethoven et James Hetfield. Beethoven a écrit des symphonies miraculeuses, des sonates et des concertos... Hetfield a écrit entraînant intelligent (bien, c'est toujours de Métal!!) chansons pour Metallica.

Je ne dis pas que James Hetfield est un mauvais musicien; les auteurs-compositeurs sont comme de bons musiciens comme des compositeurs mais la nature de chansons est différente... Ils sont beaucoup moins compliqués, on les entend le long du côté avec le lyrique de la chanson et ils sont d'habitude joués par les bandes d'environ 5 membres.

Les conventions de Musique de Chanson

Si vous analysez une chanson, vous ferez le plus probablement découvrir deux mélodies distinctives (des phrases musicales) partout dans : le vers et le choeur (Se rappelez P.1 ?). Si vous analysez une de ces mélodies, vous découvrirez qu'ils consistent en certaines expressions qui sont répétées avec des changements mineurs très lisses.

Embarrassé ?! Écoutez U2's "le Beau Jour"; vous trouverez la première mélodie (le vers) qui est joué deux fois, alors vous trouverez une deuxième mélodie (le Choeur). Le vers lui-même est les expressions rien que très semblables et très courtes qui sont réunies d'une façon entraînante...

Ne pensez pas qu'il est facile d'écrire une mélodie qui consiste en court des expressions légèrement différentes... Il a besoin de la pratique et travailler durement (le Téléchargement "Dix Pas Pour Améliorer Vos Habiletés Songwriting" pour plus).

Musique Après Lyrique

C'est comment nous l'avons fait dans "Comment Devenir Commencés"; nous vous avons d'abord faits commencer en écrivant le lyrique et ensuite nous nous sommes déplacés sur à la musique. Parfois c'est l'autre voie autour.

Il n'y a aucun plan particulier de suivre si vous voulez écrire de la musique pour le lyrique. Pour moi, j'ai d'habitude lu le lyrique deux ou trois fois commence "alors à chanter" le lyrique. Le résultat est une mélodie agréable mais "imparfaite" que je dois modifier plus tard et changer pour en être satisfait.

Juste essai... Continuez à lire votre lyrique alors essaye de les chanter, il travaillera :).

Musique Avant Lyrique

Peut être vous veulent écrire votre musique d'abord... Cherchez l'aide de votre guitare ou piano et commencez à jouer. Le Rapport que vous jouez. Jeu d'arrêt. Écoutez ce que vous avez enregistré. Peut être, peut juste être, vous trouverez un agréable "la chanson digne" la mélodie.

Entente

Maintenant que vous avez une mélodie, essayez de l'arranger ..!! L'entente commence par l'écriture des cordes qui sont jouées à côté de votre mélodie. Pour écrire des cordes vous devez être familiers avec la théorie de musique. Continuez à P.5 pour plus de cordes...

Progressions de Corde

Une corde est d'habitude trois ou quatre notes jouées en même temps, ainsi au lieu d'entendre chacun noter seul vous entendez "une Corde".

La progression de Corde est un certain nombre de cordes différentes qui sont jouées dans un certain ordre... L'idée est que des cordes différentes touchent l'un à l'autre d'une façon ou d'une autre et selon cela "d'une façon ou d'une autre" les auteurs-compositeurs écrivent des progressions de corde pour leurs mélodies.

Mélodie contre Progression de Corde

La mélodie de votre chanson détermine comment votre progression de corde va se sonner. Cela peut être l'autre voie autour (la progression de corde alors la mélodie, mais ce n'est pas commun). Notez, cependant, que les progressions de corde ne sont pas "matériel de droit d'auteur"... Des certaines progressions de corde sont utilisées dans le MILLIARD de chansons. La mélodie est bien sûr protégée par le droit d'auteur.

Pour être capable pour écrire des cordes pour votre mélodie, vous devez avoir un peu d'expérience avec la théorie de musique et un peu d'expérience avec un "songwriting l'instrument" (le Piano ou la Guitare).

Cordes Dans Théorie de Musique

Une très grande partie de théorie de musique est de la balance. "D'une façon ou d'une autre" qui se rapporte les cordes l'un à l'autre sont en réalité la balance.

Il y a deux approches différentes à l'enseignement de la théorie de musique pour des auteurs-compositeurs... On apprend la balance d'abord et se déplace ensuite sur aux cordes. L'autre apprend que les cordes dans un "n'apprennent Juste, aucun besoin de comprendre" la façon, vous remplit ensuite sur tous les trous manquants de la balance.

Dans le traitement de signal, un convertisseur audio ou un convertisseur audio digital sont un type de technologie de matériel électronique qui convertit un signal audio analogue en format audio digital, sur l'entrée (le convertisseur Analogique-numérique ou ADC), ou la production (le convertisseur Digital-à-analogue, ou DAC). Ils sont communs dans de nombreuses technologies - notamment dans des cartes son informatiques, des téléphones cellulaires digitaux et l'ordinateur portatif enregistrant des dispositifs. Une fois converti au format digital, des signaux audio digitaux et des formats de fichier peuvent être traités de façon d'un certain nombre de voies comme permis par le logiciel - incluant convertissant en CD audio ou des formats de Mp3.

Les types différents d'unités de convertisseur peuvent fonctionner aux résolutions différentes qui déterminent en grande partie "la qualité" résultante du son. Selon leur qualité et coût, les convertisseurs diffèrent aussi dans leur traitement de :

* Électronique (radio) interférence

* Proportion de signal-à-bruit (SNR)

* Protection de bruit électronique et rejet

* Traitement de plancher sonore digital,

* Surprélèvement d'échantillons, (entrée et-ou production)

* Lecture simultanée et enregistrement (de plein-duplex)

* Vibration d'horloge

"La résolution" se réfère généralement tant à la particule qu'aux taux types (quoiqu'il puisse de temps en temps se référer spécifiquement au taux de prélèvement d'échantillons; étant plus de variable des deux.) Par exemple, une carte son de consommateur de marque chère pour l'ordinateur a une gamme typique d'exploitation d'autour de la qualité de CD - 44,100 échantillons par seconde, (44.1 kHz), avec 65,536 valeurs permises pour le volume (16 particules, donnant 216 valeurs).

Essentiel audio Digital

Un simple ("mono") le canal (ou "la trace") de digitaux audio est visualisé comme une vague 2D, qui est composée d'une série quasi-linéaire des états de position enregistrés de volume dans une frontière quantifiée - où le vertical représente la profondeur de particule et l'horizontal représente le taux de prélèvement d'échantillons. Dans des modèles tant analogues que digitaux, la lecture de la vague reproduit les changements de volume de l'ordre, produisant des sons complexes. (Dans l'enregistrement de bande analogue, l'information est stockée comme des changements semblables à la vague dans un canal de ferrite magnétique incorporée sur le film en plastique.)

"La profondeur de Particule" se réfère au numéro de valeurs permises pour le volume échantillonné qui peut être représenté et "le prélèvement d'échantillons du taux" (ou la fréquence) attribue au numéro de positions enregistrées (ou "des instantanés") des mesures individuelles de volume par seconde, mesurée dans le hertz (l'Hz).

"Une trace" stéréo est simplement deux a isolé des traces mono dans le même fichier, qui sont jouées en arrière simultanément. L'illusion de son spatial peut être créée par des canaux gauches et justes différenciés. (Des formats de son de film de cinéma de Haute qualité, comme 5.1 et THX utilisent simplement des canaux plus mono pour créer les illusions plus complexes de profondeur spatiale.)

le ' Mozart l'Effet ' a été très discuté dans les médias et la recherche a montré que la prise d'une partie active dans la fabrication de musique peut aider le développement cérébral. En plus de cela le social et organisationnel de jouer un instrument sont bien documenté. Ces avantages ne viennent pas souvent sans effort cependant et n'importe quel parent avec un enfant musical sera capable de vous dire qu'à l'extérieur des leçons le plus grand mal de tête peut encourager des enfants à pratiquer à la maison. Et c'est cette pratique privée qui est essentielle dans l'assurance du bon progrès et le maintien de l'enthousiasme.

Le meilleur enseignant dans le monde sera capable de faire peu si le travail à l'extérieur de la leçon ne renforce pas ce que l'on apprend. Un manque de pratique peut démotiver pour des élèves, déprimant pour des enseignants et laisser des parents se demandant si leur argent ne pourrait pas être meilleur dépensé ailleurs. En fin de compte, bien sûr, il aboutit aux enfants renonçant à leurs leçons instrumentales ou chantantes et manquant donc de complètement sur les nombreux bénéfices qu'ils pourraient avoir aimés.

Ainsi que les parents et des enseignants peuvent-ils faire pour assurer que l'enthousiasme est maintenu et le progrès est fait ? Clairement le rapport d'élève d'enseignant est important et trouvant qu'un bon enseignant devrait toujours être le premier pas sur la route à l'étude pour jouer ou chanter efficacement.

Enseignants et pratique

Le meilleur enseignant dans le monde ne peut pas vous faire un meilleur musicien. Ils peuvent vous montrer la voie en avant, donner des bouts utiles sur la façon de réaliser vos buts et ouvrir même vos oreilles aux styles de musique que vous n'avez jamais entendue auparavant. Comme avec tant de choses, cependant, l'amélioration réelle passera seulement à travers la pratique dans votre temps propre. Dans des leçons votre enseignant peut évaluer comment vous vous entendez, vous aidez à repasser de n'importe quels problèmes vous avez éprouvé et vous donnez le conseil sur qu'et comment pratiquer ensuite! Votre enseignant devrait aussi être capable de vous donner des conseils sur que, combien de fois et combien de temps pratiquer.

Onze Grandes Habitudes de Pratique

1. Tenir votre habitué de pratique. Essayez de pratiquer un petit chaque jour plutôt que faire une session de marathon juste avant votre leçon! Ne vous inquiétez pas si vous ne pouvez pas pratiquer en même temps chaque jour, mais essayer vraiment de prévoir quelque temps pour la pratique dans votre horaire quotidien.

2. Réchauffer-vous. Même si vous n'avez pas beaucoup de temps pour la pratique un jour particulier s'assurent que vous faites un approprié se réchauffent. Cela peut vraiment aider à arranger votre technique et fournir une base solide sur quel construire.

3. Mettre vous des buts : c'est plus facile correctement de structurer votre pratique si vous avez une idée claire de ce que vous voulez réaliser à n'importe quelle session particulière.

4. Ne pratiquer pas vos erreurs! La répétition est importante, mais seulement si c'est juste! Avant que vous ne pratiquiez rien, essayer de vous assurer que vous savez ce que l'on suppose que vous faites. Si vous n'êtes pas sûrs comment on suppose que quelque chose se sonne ou vous ne comprenez pas de passage, demandez à votre enseignant ou pratiquez quelque chose d'autre jusqu'à ce que vous puissiez.

5. Balance. L'essai d'inclure une certaine balance dans toute votre pratique. Ils sont importants pour améliorer la technique et votre connaissance de clefs. Malgré leur réputation effrayante ils peuvent être l'amusement!

6. Pratique dans gros morceaux. Essayez de rompre des pièces compliquées dans des particules plus maniables plus petites. Rappelez-vous aussi pratiquer aligner les sections différentes.

7. La pratique avec un pianiste chaque fois que vous pouvez : la Réalisation avec un accompagnement est la beaucoup meilleure préparation pour des examens et le fonctionnement. Il fait aussi plus de sens de la musique que vous jouez. Si vous ne pouvez pas vous réunir avec un essai d'accompagnateur de vie réel www.opuscopus.com où vous trouverez des accompagnements mp3 pour des centaines de pièces pour tous les instruments.

8. Tenir-le intéressant! Ne dépensez pas tout votre temps essayant de pratiquer juste une chose. Variez votre pratique, peut-être avec un morceau plus facile ou une étude.

9. La pratique lente obtient des résultats plus rapides : pratiquez des sections difficiles lentement et à fond avant que vous n'essayiez de les accélérer.

10. Tenir frais : ne pratiquez jamais quand vous êtes fatigués. Vous n'allez pas probablement réaliser quoi que ce soit plus que la fabrication vous-même frustré.

Qualité du Son

L'augmentation de la capacité d'entrée-sortie pour ou tant la résolution de particule qu'échantillonnant le taux augmentera la qualité du son. Des traces multiples peuvent augmenter l'expérience de spatiaux du son et sonner "la qualité".

La qualité "professionnelle" du son se réfère aux qualités actuelles les plus hautes du son pour le matériel disponible. Dans le passé, le matériel de très haute résolution a été aussi fortement spécialisé et cher. Aujourd'hui, plusieurs pour lesquels des technologies généralement disponibles sont suffisantes produisent la qualité adéquate ou au-dessus de la moyenne des signaux audio digitaux pour l'utilisation dans l'enregistrement divers ou des utilisations de transmission.

Actuellement il est possible d'acheter le matériel utilisant raisonnablement des convertisseurs digitaux de haute qualité pour bien sous 1000 USD. Dans des utilisations professionnelles, des extrêmement hauts convertisseurs de fidélité sont typiquement vendus comme les composants dans le support spécialisé montent à canaux multiples (la multitrace) enregistrant des unités. Ceux-ci unissent typiquement à un ordinateur via parallèle, de marque déposée ou spécialisé (c'est-à-dire. PCI carte), fibre optique, USB, ou rapports Firewire. USB 2 et Firewire sont le plus commun, quoique Firewire ait la latence inférieure et soit ainsi plus convenu pour des demandes de multitrace.

Au niveau de barebones, des convertisseurs de carte audio prennent un signal d'entrée de niveau de ligne nominal et est conçu pour être une liaison transparente entre le conseil de mélangeage et l'ordinateur. Une fois converti au format digital, les fichiers du son peuvent être traités de façon d'un certain nombre de voies comme permis par le logiciel, y compris la conversion en CD audio ou des formats de Mp3.

Tant l'enregistrement que la lecture de son doivent considérer la nature du moyen digital produire le bruit indésirable. Le bruit produit par la bande analogue, par la comparaison peut être agréable, comme il a de résolution suffisante pour produire le bruit aléatoire se sonnant naturel "chaud". L'enregistrement digital a traditionnellement eu le problème de sembler "froid", principalement en raison de l'effet de quantification de numériser une vague linéaire dans une série segmentée d'échantillons adjacents. Dans le cas de longs sons de vague, comme la basse, la vague est la donc sa lecture et lisse "ne saute pas" d'une particule de volume basse à une particule de grand volume adjacente. Cependant, haut lancé ressemble aux accidents de cymbale et le bruit "blanc" semblable peut seulement être représenté par un tableau pratiquement aléatoire de particules. Ce tableau aléatoire expose la faiblesse de lecture digitale pour produire des artefacts digitaux en forme "d'une rudesse" aiguë.

Tandis que de meilleures résolutions produisent le meilleur son et la rudesse moins digitale, une fonction importante de convertisseurs digitaux doit réduire au minimum les problèmes connus indemic au format digital. Une solution commune était d'utiliser des amplificateurs de tube à vide séparés pour "réchauffer" le son aux deux production d'entrée. C'est généralement cher et normalise le son à la gamme donnée par l'ampli de tube, qui nie les bénéfices des hautes fréquences basses et claires profondes de digital's. La solution principale était généralement d'utiliser un processus de surprélèvement d'échantillons, qui peut différer considérablement selon sa demande pour l'entrée ou la production. Le surprélèvement d'échantillons est le traitement d'entrée du son aux taux de prélèvement d'échantillons plus hauts que le matériel exécute en réalité . Sur l'entrée, cela produit une vague digitale qui est toujours basée sur l'entrée, mais changée pour enregistrer considérablement les sauts de moins qui produiraient des artefacts audibles. Sur la production, le surprélèvement d'échantillons sert le même rôle que l'utilisation d'un ampli de tube, par lequel les particules adjacentes sont re-quantifiées à la résolution plus haute pour produire une vague plus lisse.

Un instrument de musique est un dispositif construit ou modifié avec le but de faire de la musique. En principe quoi que ce soit que, le son de produits alimentaires et peut d'une façon ou d'une autre être contrôlé par une personne le jouant, peut servir d'un instrument de musique. L'expression, cependant, est réservée généralement pour les articles qui ont un but musical spécifique. L'étude universitaire d'instruments de musique est appelée organology.

Les types d'instruments de musique

Les instruments sont souvent divisés par la voie dont ils produisent la source initiale de son :

Les Instruments qui produisent le son de la question dans son solide

* La voix, c'est-à-dire la voix humaine, est un instrument dans son droit propre. Un chanteur produit des sons quand le flux d'air des poumons met les cordes vocales dans l'oscillation. La fréquence fondamentale est contrôlée par la tension des cordes vocales et la qualité de ton par la formation de l'étendue vocale; un grand choix de sons peut être créé.

Une corde d'acier guitare acoustique

* Les instruments de corde produisent un son quand la corde est pincée, tapoté, donné une tape, etc. La fréquence de la vague produite (et donc la note produite) dépend d'habitude de la longueur de la partie vibrante de la corde, sa densité linéaire (la masse par unité de longueur de corde), la tension de chaque corde et le point auquel la corde est enthousiasmée; la qualité de ton varie avec la construction de la cavité résonnante. Exemples : guitares, violons et sitars. Des instruments de corde électriques produisent le son par un chargement placé sous des cordes. La guitare électrique et la basse électrique sont les exemples les plus célèbres, mais il y a une large variété de nouveaux instruments, parce que l'amplification électromagnétique produit de nouvelles possibilités. D'autres Exemples : 3ème trait de pont koto, baryton électrique, cymbalom électrique.

* Les instruments à percussion créent le son quand frappé. La forme et le matériel de la partie de l'instrument à être frappé et la forme de la cavité résonnante, s'il en est tels déterminent le son de l'instrument. Exemples : tambours, cloches et cymbales.

* Les instruments de friction sont n'importe quel instrument qui utilise la friction pour créer le son. Par exemple l'harmonica de Verre.

* Lamellophones crée un son par le pincement de lames faites de matériels différents (le métal, raphia etc). Ces Instruments sont tunable, donc ils n'appartiennent pas à l'idiophones. Un exemple est le Mbira.

Les Instruments qui produisent le son de la question dans son état gazeux

* Les instruments à vent produisent un son quand une colonne d'air est faite pour vibrer à l'intérieur d'eux. La fréquence de la vague produite est rapprochée de la longueur de la colonne d'air et la forme de l'instrument, tandis que la qualité de ton du son produit est affectée par la construction de l'instrument et de la méthode de production de ton. Le groupe est typiquement subdivisé dans :

O Bois, comme le saxophone, clarinette, hautbois et flûte,

O Instruments à vent en cuivre, comme la trompette, trombone et [[

Waterflute (reedless) hydraulophone avec 45 trous d'embouchure de doigt, permettant un contrôle semblable à l'embouchure complexe mais polyphonique en insérant un doigt dans chacun de plusieurs des bouches de l'instrument 45 en même temps.

Cela arrive au mieux d'entre nous : tout a semblé excellent quand nous pratiquions hier dans la nuit, notre enseignant nous a assurés que nous sommes prêts pour l'examen, mais maintenant... La position devant l'examinateur nos mains ont commencé à suer, notre respiration a plus rapidement, nous nous sentons malades et préférerions franchement être

N'importe où autrement dans le monde qu'être sur le point essayent de jouer de la musique joliment et passer le cours d'agilité mental nécessaire de se rappeler un radeau de balance et des arpèges.

Si cette situation vous semble même vaguement familière alors continuée de lire...

Peu importe que les gens vous disent, chacun souffre d'une sorte de nervosité ou l'inquiétude d'exécution. Il est, après tout, une réaction complètement naturelle à n'importe quelle situation stressante. Il y a longtemps dans notre passé évolutionnaire nos ancêtres, faisant face à un animal grand-griffu auraient eu un choix simple : ils pourraient ou supporter leur raison et se battre ou ils pourraient prendre ses jambes á son cou et poser sa candidature à la sécurité. N'importe quel l'option ils ont choisi leurs corps a dû se préparer pour une sorte d'action de secours. Les psychologues appellent cet état le Combat ou la réponse de Vol et, malheureusement pour nous, ses effets physiologiques sont toujours avec nous aujourd'hui.

Des mains en sueur, une bouche sèche, des tremblements nerveux et un estomac de renversement sont tous les symptômes causés par la sortie du corps d'adrénaline. Le sang est acheminé loin des extrémités et l'estomac (c'est quelles causes ‘ des papillons dans l'estomac ’) et vers les muscles nécessaires pour se battre ou courir. Pour au pouvoir cette respiration de muscles s'accélère pour augmenter la provision d'oxygène et le résultat est un temps de corps et balancé pour l'action. Tout c'est grand si vous deviez partir en courant d'un tigre, mais soyez tristement plutôt moins utiles si vous essayez de jouer un concerto de violon Mozart.

L'examinateur aux dents en sabre

Bien sûr de nos jours nous rencontrons rarement des animaux dangereux, mais il y a toujours l'abondance d'autres situations stressantes pour traiter. Pour beaucoup de personnes exécutant devant un auditoire (s'il joue un instrument ou fait un discours) peut être une cause réelle pour le souci. Donc nous avons échangé de grands chats pour la catégorie 6 mais les sentiments de stress restent beaucoup le même, si que pouvons-nous faire à son sujet ?

1. Préparer-vous à fond : Il y a peu de choses plus déconcerté que l'exécution devant un auditoire quand vous n'êtes pas complètement sûrs ce que vous faites! Dans un examen, par exemple, le souci harcelant que vous n'avez pas correctement pratiqué votre balance peut vraiment affecter votre exécution dans vos pièces aussi. Étant à fond préparé peut vous donner réel une confiance qui peut être incroyablement l'influence de calmant. Vos nerfs vont beaucoup moins probablement sortir du contrôle si vous êtes vraiment à l'aise avec tout le matériel vous devez jouer. Pour un peu d'amusement et l'aide fraîche avec la balance essayent de visiter www.opuscopus.com.

2. Visualiser le succès : c'est une technique utilisée par des athlètes supérieurs et des musiciens de la même façon. Une semaine ou ainsi avant que votre examen, quand vous commencez votre pratique quotidienne, ne dépense le deux ou trois minutes visualisant commencent vous-même couronné de succès. Fermez vos yeux et imaginez vous dans l'examen donnant une exécution confiante et couronnée de succès. L'essai de faire l'image aussi claire et aussi détaillé que vous pouvez. "Voir" vous jouer toute la balance on vous demande facilement, donnant le fonctionnement musical de vos pièces et chargeant aisément avec votre sightreading, etc. Cette technique peut être incroyablement puissante. Essayez-le, vous pouvez être étonnés aux résultats!

3. Bloquer des pensées négatives : Dans le construisant jusqu'à votre examen il est seulement naturel d'avoir le souci occasionnel et se sentir un peu appréhensif. Il est important quoique tenir ces pensées dans la perspective. Si vous vous attrapez pensant des choses comme ‘ je sais que je vais faire une erreur ’ ou ‘ et si je le fumier en haut ma balance ? ’ Ne leur donnez pas tas de l'attention. Au lieu de cela juste le sourire et vous visualise exécutant avec succès (voir le bout 2).

4. Utiliser votre nervosité pour stimuler votre exécution : Il y a une grande similitude entre l'excitation nerveuse vous sentez la montée à une grande pente sur des montagnes russes et la nervosité que vous pourriez éprouver quand vous passez un examen. La différence entre eux le mensonge seulement dans la voie vous percevez et traitez vos sentiments. Vous vous sentez excités parce que vous prévoyez quelque chose le bon événement. Quand vous êtes nerveux, au contraire, il est, peut-être, parce que vous craignez quelque chose mal tournant. La plupart des interprètes expérimentés vous diront qu'ils ne voudraient pas perdre leurs nerfs. Au lieu de cela ils utilisent l'énergie nerveuse de construire le sens de l'excitation pour leur exécution.

5. Exécuter devant des amis et la famille : Une fois que vous êtes à l'aise jouant vos pièces et balance à vous, demandez aux membres de votre famille ou amis d'écouter. Même un auditoire petit et positif est assez pour faire la plupart des personnes se sentir un peu sur le bord donc c'est un vraiment bon bout pour pratiquer ce qu'il a envie d'être nerveux. La logique va quelque chose comme cela : si vous vous habituez à ce qu'il a envie d'être nerveux dans un environnement contrôlé et amical, vous vous chargerez mieux de la chose réelle, même si petites choses mal tournent. Si vous ne pouvez pas pratiquer avec un accompagnateur réel essayent de visiter www.opuscopus.com pour des accompagnements téléchargeables de haute qualité

Les Instruments qui produisent le son de la question dans son état liquide

* Des instruments d'eau produisent des vagues de pression par l'oscillation, la turbulence, ou la perturbation semblable dans l'eau. Des instruments d'eau ressemblent aux bois de quelques façons, sauf que le liquide en vigueur (le liquide) est le liquide pour la plupart incompressible, en comparaison du vent (l'air) qui est fortement compressible. Des instruments d'eau sont appelés hydraulophones et le travail le mieux sous l'eau, mais sont souvent conçus pour que l'on puisse entendre eux dans un moyen aérien environnant bien qu'ils soient typiquement remplis d'eau ou fonctionnent en partie sous l'eau.

Les Instruments qui produisent le son de la question dans son état de plasma

* Des instruments de plasma produisent des vagues de pression par l'oscillation de question dans un état de haute énergie comme le plasma. Les exemples incluent l'ionophone, le prédécesseur du haut-parleur moderne et le plasmaphone, un instrument acoustique qui produit le son en réponse à la manipulation directe de plasma par les doigts d'un musicien.

Quintephones (les instruments qui produisent le son informatiquement)

Quintephone comme partie d'exécution vivante. Utilisation d'inspirations le quintist directement interfaces à un synthétiseur de musique, entrant dans le jeu avec les autres membres de bande. Un système de fermer-boucle fonctionne de facon analogue avec un récepteur régénérateur.

Les instruments produisent le son à l'aide de l'acoustique (de la question dans son solide, liquide, gazeux, ou l'état d'énergie plus haute), ou informatiquement, de la question dans son état de Quintessence (la Quintessence, aussi connue comme l'Idée, était l'élément cinquième-classique de Platon et Aristote). [1]

Les instruments qui produisent le son de la quintessence (l'Idée) utilisent une certaine forme de calcul, l'algorithme, ou le processus calculateur, si par des circuits analogues (comme dans le Theremin), par des circuits digitaux (comme dans des synthétiseurs de logiciel modernes), par le calcul mécanique (comme dans l'utilisation du disque de phonographe comme un instrument de prélèvement d'échantillons), ou par des moyens optiques (comme dans des instruments comme l'Optigan).

* Des instruments électroniques produisent le son par des moyens électroniques. Ils imitent souvent d'autres instruments dans leur conception, particulièrement des claviers, des tambours et des guitares. Exemples : synthétiseurs et theremins.

* Calcul mécanique, synthèse, ou instruments de prélèvement d'échantillons

Les instruments comme la plaque tournante produisent le son mécaniquement, bien qu'ils enregistrent des échantillons spécifiques. D'autres instruments semblables ont été construits que l'utilisation le calcul mécanique plutôt que le calcul électronique pour réaliser la synthèse du son, le stockage et le rappel d'échantillons sonores et la manipulation mécanique d'échantillons sonores.

* Synthèse du son utilisant calcul optique, prélèvement d'échantillons optique, stockage optique, et d'autres de ce genre Les instruments comme l'Optigan utilisent des médias de stockage optiques. D'autres instruments de musique semblables ont été faits des projecteurs de film de film de cinéma qui ont une bande sonore optique.

* Production du son par réseaux neuraux. Le Son peut aussi être produit par un réseau neural comme le cerveau humain. Ce son peut être révélé des matières premières (comme dans une exécution à 2007 ICMC) ou peut être post-traité en le passant par le lancement divers transposers et même l'utilisant pour contrôler d'autres instruments comme a été fait dans la série DECONcert ["DECONcert", les Mesures de la Conférence de Musique Informatique Internationale, août 2007, Copenhague, le Danemark].

Interfaces utilisateur pour instruments de musique

Comment le son dans un instrument est produit, beaucoup d'instruments de musique ont un clavier comme l'interface utilisateur.

* Les instruments à clavier sont n'importe quels instruments qui sont joués avec un clavier musical. Chaque clef produit un ou plusieurs sons; la plupart des instruments à clavier ont des moyens supplémentaires (des pédales pour un piano, des arrêts pour un organe) pour manipuler ces sons. Ils peuvent produire le son par le vent étant éventé (l'organe) ou pompé (l'accordéon), vibrant des cordes martelé (le piano) ou pincé (le clavecin), par des moyens électroniques (le synthétiseur) ou d'une certaine autre façon. Parfois, les instruments qui n'ont pas d'habitude de clavier, comme le Glockenspiel, sont adaptés avec un. Quoiqu'ils n'aient aucune partie de déplacement et soient frappés par des maillets tenus dans les mains du joueur, ils possèdent la même entente physique de clefs et produisent des ondes sonores dans une façon semblable.

Classification d'Instrument de musique

Beaucoup de divisions supplémentaires et les nouvelles subdivisions d'instruments existent. Pour apprendre d'instruments spécifiques, consultez la liste d'instruments de musique ou la liste d'instruments de musique archaïques.

Histoire

Les classes solides et du gaz d'instruments sont mentionnées dans des sources antiques, comme des inscriptions égyptiennes, la Bible et le nombreux Hindou de mille ans Vedas et précèdent probablement l'histoire enregistrée. Le corps humain, produisant tant le chant que des sons percutants, peut avoir été le premier instrument. Les instruments à percussion comme des pierres et des rondins creux sont un autre candidat probable. Par exemple, des flûtes d'os de neuf mille ans ou des enregistreurs ont été trouvés dans des sites archéologiques chinois.

Les instruments qui font le son de la question dans son état liquide ou de plasma, aussi bien que les instruments qui font le son informatiquement, par exemple optique, mécanique, ou électrique (l'analogue ou digital) le calcul sont quelque peu plus récents.